Duelo ao Sol

Sondagem encerrada: Qual é o melhor filme de Kubrick?

2012-01-24T10:43:00.000Z

'2001 - Odisseia no espaço', com cerca de 23% dos votos (arredondei as percentagens), foi a escolha dos leitores (e a minha, já agora).

Seguiram-se 'Lolita', 'Laranja mecânica' e 'Shining' (13% cada); 'Barry Lyndon', 'De olhos bem fechados' e a opção 'outro' (vários leitores se referiram a 'Full Metal Jacket') recolheram 10% das preferências cada. 'Doutor Estranhoamor' fechou a contagem com 6% dos votos.

Qual é o melhor filme de Kubrick?

2012-01-20T10:21:00.000Z

Deixe a sua opinião na sondagem aqui ao lado! Começo eu: voto em '2001', após muita hesitação entre este e 'Lolita'.

Cultural prestige

2012-01-19T12:52:00.002Z

In the second part of the video documentary A Personal Journey With Martin Scorsese Through American Movies (1995) is a nine-minute stretch devoted to Tourneur that focuses on the first two horror films he directed for producer Val Lewton, the 1942 Cat People (made for only $134,000) and the 1943 I Walked With a Zombie. “In its own way,” Scorsese says, “Cat People was as important as Citizen Kane in the development of a more mature American cinema.” It seems an extreme statement, but it’s actually reasonable, because Tourneur and Lewton brought subtlety and poetic suggestion to B movies, while Welles brought a kind of intelligent bombast to A pictures. Both movies startled audiences–-Cat People ran longer at some venues than Citizen Kane–-but only Citizen Kane gained cultural prestige.

Jonathan Rosenbaum

Dario Argento - Top 9

2012-01-18T10:50:00.001Z

Inspirado por Enrique Vila-Matas, que se revoltou contra o 'absurdo prestígio' dos 'números redondos', resolvi desta vez fugir ao habitual e redondo número 10.

Cá vai então o meu top 9 do mestre do giallo:

O pássaro com plumas de cristal (1970)

Logo no seu primeiro filme Argento (re)inventa um género. Citando-me a mim próprio, se quiser ver um giallo veja este, que já está aqui tudo.

2.
Profondo rosso- O mistério da casa assombrada (1975)

Argento refina a sua arte, e dá-nos aquele que é talvez o seu 'policial' mais perfeito. David Hastings é o protagonista, e não é só por ele que nos lembramos do 'Blow-Up' de Antonioni.

3.
Ópera (1987)

Uma cantora substituta torna-se uma estrela ao substituir a diva que é atropelada na véspera da estreia de 'Macbeth' de Verdi. Mas um psicopata não a larga...

'Ópera' é o meu preferido dos filmes de 'terror' de Argento e, para muitos fãs mais radicais, o último grande filme do mestre. A cena em que o assassino é desmascarado é puro surrealismo.

4.
Suspiria (1977)

Depois da famosa 'trilogia dos animais' e de 'Profondo Rosso', Argento deu uma guinada e virou-se para o terror e para o sobrenatural, iniciando uma nova trilogia, conhecida por 'Três Mães'.
'Suspiria' tornar-se-ia (com 'Profondo Rosso') o seu filme mais famoso. É um festival de cor, som e mortes espectaculares. E provavelmente o filme de Argento em que o espectador mais perde em não o ver num grande ecrã (como infelizmente foi o meu caso).

5.
Tenebrae (1982)

Um escritor americano de visita a Roma descobre que um misterioso serial killer anda a usar o seu último livro como inspiração. O mistério tem uma solução muito engenhosa, que Argento usou mais que uma vez com variações.

6.
O gato das sete vidas (1971)

Uma dupla improvável - um jornalista e um cego (Karl Malden) - investiga uma série de crimes ocorridos num instituto onde se fazem experiências genéticas. O argumento deste segundo filme de Argento é um bocado estrambólico, mas o grande Karl Malden e um realizador em grande forma fazem com que seja um
dos grandes 'policiais' do mestre.

7.
A síndrome de Stendhal (1996)

Cena de abertura com Asia na Galeria Uffizi: Argento teve uma autorização única para lá filmar.

Uma jovem comissária da polícia investiga os crimes cometidos por um violador assassino e acaba ela própria por cair nas garras do psicopata. Ser violada por ele repetidas vezes é apenas parte do que lhe acontece no filme. Se pensarmos que para este papel Argento escolheu nem mais nem menos que a sua filha Asia...

8.
Phenomena (1985)

Uma teenager americana (Jennifer Connelly, com 14 anos), é enviada pelo seu pai, um actor famoso, para um selecto colégio interno suiço. Mas, adivinhe o leitor, anda por lá um psicopata à solta. E acontece que Jenniffer não é uma rapariga normal: tem o poder de 'comunicar' com os insectos.
Eu ia escrever que este é o filme mais bizarro de Argento, mas talvez seja 'Inferno' que mereça esse título. Fica para ´Phenomena' o de mais macabro.Nada aconselhável a almas impressionáveis.

9.
Giallo (2009)

O último filme de Argento (até à data) foi um fracasso de crítica e de bilheteira, e o próprio realizador se queixou da forte interferência dos produtores, demarcando-se do resultado final. Mas é, ainda assim, um belo thriller com sabor démodé. E Adrien Brody, em claro overacting, deve-se ter divertido bastante a compor quer o polícia, quer o assassino (aqui irreconhecível e creditado com o anagramático pseudónimo de Byron Deidra).

P.S.: Poucas obras darão tanto sentido à afirmação que postula que os grandes realizadores fazem sempre o mesmo filme, como a de Argento. Filme após filme repetem-se situações, motivos, obsessões.

Basicamente eu dividiria a sua filmografia em dois subgrupos: aqueles a que chamarei os gialli mais 'policiais' (em que o protagonista - quase sempre um homem - investiga os crimes cometidos por um serial killer) e os gialli mais de 'terror' (em que o protagonista - quase sempre uma jovem - sofre os desmandos do serial killer). Isto para avisar que eu tenho uma especial predilecção pelos primeiros; mas há exemplares magníficos em ambos os lados e, claro, nem sempre a distinção é clara.

E vão 6 sempre em grande

2012-01-16T10:30:00.000Z

(6 temporadas sem jamais baixar o nível é obra)

O que aí vem

2012-01-11T15:06:00.000Z

Expectativas altas para:

A gruta dos sonhos perdidos

2012-01-06T14:45:00.002Z

Em 1994 um grupo de cientistas franceses descobriu as agora chamadas Grutas Chauvet, cheias de ossadas de animais e com dezenas de pinturas rupestres datando de há mais de 30 mil anos – quase o dobro de outra qualquer descoberta do género. O facto de um desabamento de rochas há milhares de anos ter tapado e escondido completamente as entradas permitiu que esta verdadeira cápsula do tempo tenha sobrevivido incólume até hoje. O local foi selado e só um grupo restrito de cientistas tinha acesso a ele, até que Herzog conseguiu uma inédita autorização para lá filmar durante uns dias (em condições limitadas).

O que poderia ser um interessante documentário 'à National Geographic' torna-se nas mãos de um dos criadores mais insólitos do cinema actual em algo um bocado diferente disso. Herzog está fascinado com os artistas (como lhes chama repetidamente) de há 30.000 anos, vê mesmo nas pinturas um proto-cinema (pois tentam emular o movimento dos animais), e divaga a partir daí sobre outras formas de arte que existiriam, como a música - foram descobertas flautas da mesma época umas centenas de quilómetros ao lado, na Alemanha.

E, claro, Herzog interessa-se como sempre pelas pessoas com quem contacta, principalmente os 'cromos', como um arqueólogo do grupo que estuda as grutas, que antes de o ser trabalhava como malabarista num circo, ou um mestre perfumista que procura grutas escondidas através do olfacto...

Não se afastando nunca do seu objecto principal, a beleza das grutas, os cristais que as cobrem, as pinturas, os rastos animais e humanos, que filma longamente, Herzog não foge ainda assim ao seu estilo muito próprio: em alguns planos fixos, em que retrata os cientistas enquadrados como num quadro a olharem para a câmara, com banda sonora em fundo, lembrei-me de filmes como 'Fata Morgana', por exemplo.

E a ironia cortante de Herzog revela-se em todo o seu esplendor num post scriptum, em que nos mostra como uma central nuclear construída ali mesmo ao lado criou, com os seus vapores, um surreal ambiente tropical, com crocodilos e tudo, numa zona completamente gelada há apenas uns milhares de anos...

Cave of Forgotten Dreams, EUA/Canadá/França/Alemanha/Grã-Bretanha, 2010. Realização: Werner Herzog. Documentário.

Top 10 - 2011 (III)

2012-01-05T09:58:00.003Z

Como é habitual, pedi aos colaboradores (em sabática) aqui do tasco para me enviarem os tops do ano decorrido. A seguir indico a do homem conhecido por Allen Douglas, que obviamente incluiu um filme do Woody Allen:

1. Pequenas mentiras entre amigos
2. A pele onde eu vivo
3. Vais conhecer o homem dos teus sonhos
4. Amor Estúpido e Louco
5. A minha versão do amor
6. Um dia
7. Super 8
8. Temos Papa
9. Somewhere
10. A Árvore da Vida

[Allen Douglas]

Top 10 - 2011 [II]

2012-01-04T20:37:00.005Z

Como é habitual, pedi aos colaboradores (em sabática) aqui do tasco para me enviarem os tops do ano decorrido. Começamos com o do Puto:

1 - Um Ano Mais (Another Year), de Mike Leigh
2 - Melancolia (Melancholia), de Lars von Trier
3 - Poesia (Shi), de Chang-Dong Lee
4 - 50/50 (50/50), de Jonathan Levine
5 - Meia-Noite em Paris (Midnight in Paris), de Woody Allen
6 - Cisne Negro (Black Swan), de Darren Aronofsky
7 - O Deus da Carnificina (Carnage), de Roman Polanski
8 - Eu Vi o Diabo (Akmareul Boatda), de Ji-Woon Kim
9 - O Preço da Traição (Chloe), de Atom Egoyan
10 - Um Método Perigoso (A Dangerous Method), de David Cronenberg

[O Puto]

Enterrado

2012-01-04T10:11:00.000Z

Um americano, motorista de uma empresa privada a trabalhar na 'reconstrução' do Iraque, descobre ao acordar que está enterrado num caixão, em parte incerta. Só tem consigo um isqueiro, uma caneta, um pouco de álcool e, descobrimos depois porquê, um telemóvel. Claro que desata a telefonar para toda a parte, mas passa o tempo a falar com atendedores de mensagens (incluindo alguns com aquelas mensagens engraçadinhas), a ser posto em espera (inclui ter que ouvir aquelas ocas mensagens institucionais gravadas), a aturar telefonistas indiferentes ou rudes, a desesperar com burocratas obtusos que querem saber o seu número da segurança social e, cereja no topo do bolo, a ter uma conversa surreal com o director de pessoal da sua empresa (que se quer descartar dele a todo o custo). Isto enquanto está a ser chantageado, ameaçado de morte de várias maneiras, a ficar sem ar, sem carga, sem rede, etc., etc.

'Enterrado', enxutamente realizado pelo espanhol Rodrigo Cortés e interpretado sem sombra de overacting por Ryan Reynolds, tem sido gabado pelo verdadeiro ambiente de claustrofobia que cria, sufocando o espectador em 95 minutos 'reais' de tensão e incerteza, mas eu gostaria de o elogiar acima de tudo por ser um pequeno tratado certeiro e implacável sobre o absurdo do mundo em que vivemos.

Buried, E.U.A./Espanha/França, 2010. Realização: Rodrigo Cortés. Com: Ryan Reynolds.

TOP 10 - 2011

2012-01-02T11:03:00.000Z

1. Cisne negro, Darren Aronofsky
2. Um ano mais, Mike Leigh
3. Inquietos, Gus Van Sant
4. Drive, Nicolas Winding Refn
5. Um método perigoso, David Cronemberg
6. Hereafter - Outra vida, Clint Eastwood
7. Essential Killing - Matar para viver, Jerzy Skolimowski
8. Crazy Horse, Frederick Wiseman
9. Habemus Papam, Nanni Moretti
10. Offside - Fora de jogo, Jafar Panahi

O Deus da carnificina

2012-01-01T22:19:00.000Z

Gostei mais do magnífico quarteto de actores - destaco Jodie Foster - e da impecável realização de Polanski (nunca me pareceu estar a ver teatro filmado) do que propriamente do argumento do realizador e de Yasmina Reza, baseado numa peça desta, que não obstante a sua inteligência e mordacidade me pareceu várias vezes forçado. Que basta um pouco de stress para o verniz civilizacional da pessoa mais insuspeita estalar é uma constatação óbvia, e às tantas dei por mim a pensar, a meio do filme, que já estava tudo dito e só faltaria acumular mais umas quantas situações, tantas quantas aos argumentistas aprouvesse.

Uma palavra final para os cinemas Zon Lusomundo: quebrar um filme de 79 minutos, filmado em 'tempo real', com um intervalo de 7 minutos é de uma estupidez inqualificável.

Carnage, França/Alemanha/Polónia, 2011. Realização: Roman Polanski. Com: Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz, John C. Reilly.

Inquietos

2011-12-26T23:39:00.000Z

Vi pela primeira vez um filme de Gus Van Sant aí há vinte anos, era 'Drugstore Cowboy', com Matt Dillon que eu já conhecia de 'Rumble Fish' e 'Os marginais' e com Kelly Lynch que eu não conhecia de lado nenhum. Gostei tanto que nunca mais deixei de acompanhar Van Sant. Vi o belo 'A caminho de Idaho' com River Phoenix dois anos antes de morrer, o estrambólico 'Até as vaqueiras ficam tristes' com Uma Thurman, o gélido 'Disposta a tudo' que faria as pessoas olharem para Nicole Kidman como sendo mais do que Mrs.Cruise, assisti à fase em que a crítica o deu como morto, em 'O Bom rebelde', no dispensável remake de 'Psycho', no subestimado 'Descobrir Forrester', assisti numa sala vazia ao verdadeiro massacre para o espectador que é 'Gerry', Matt Damon e Casey Affleck duas horas a deambularem perdidos no deserto, prenuncio do que aí viria, que seria a ressuceição crítica com 'Elephant', seguida de dois filmes no mesmo comprimento de onda melancólico, 'Últimos dias' (de Kurt Cobain) e 'Paranoid Park' (o meu preferido dos três), assisti ao regresso a terrenos mais 'narrativos' em 'Milk' (Oscar para Sean Penn) e andei para trás no tempo para ver o que não vi quando saiu, 'Mala Noche', a sua estreia.

E cheguei agora a 'Inquietos'. Não é um filme perfeito: não gostei de duas ou três cenas que me pareceram escusadas (como a do médico a combinar o "golfe às cinco") e demorei algum tempo a livrar-me dum certo tom de 'artificialidade' do argumento (um rapaz que 'penetra' em funerais e tem um amigo imaginário que é um kamikaze envolve-se com uma miúda apaixonada por Darwin e com um cancro terminal soa assim um bocado a argumento de finalista de curso de escrita criativa ou de aspirante a argumentista de filmes indie). Mas quando chegou ao plano em que ele a 'apresenta aos pais', logo me rendi. É que 'Inquietos' tem dos momentos mais tocantes que vi em muito tempo numa sala de cinema. E tem uma actriz - Mia Wasikowska - que merece o céu. E um grande realizador, com um talento especial para escolher os seus actores e actrizes. É um dos filmes do ano, pois claro.

Restless, E.U.A., 2011. Realização: Gus Van Sant. Com: Henry Hopper, Mia Wasikowska, Ryo Kase, Schuyler Fisk, Lusia Strus, Jane Adams.

Filmes famosos que eu nunca vi

2011-12-21T11:04:00.004Z

Respondendo ao desafio de um amigo, assim de repente, cá vão os 5 casos mais gritantes:

- A saga Star Wars

- A saga Harry Potter

- Titanic

- Os condenados de Shawshank (só incluo este porque parece que é o filme melhor pontuado no IMDB)

- A trilogia de Apu (confesso que estes clássicos de Satyajit Ray são a única falha desta lista que tenciono colmatar)

E o caro leitor, quais são as suas falhas?

Nor should it

2011-12-18T14:45:00.001Z

"The West knows nothing of these pictures [pink film], nor should it", Donald Richie, the doyen of Japonese film criticism, once famously proclaimed. This book avers otherwise.

Jasper Sharp in 'Behind the Pink Curtain - The Complete History of Japanese Sex Cinema'

Compras em saldos

2011-12-15T20:40:00.000Z

19,99€ cada caixa, na Fnac.

Drive - Duplo risco

2011-12-15T00:00:00.000Z

O júri de Cannes 2011 (presidido por Robert De Niro) que deu a Palma de Ouro a 'A árvore da vida' de Terence Malick, deu o prémio de realização a Nicolas Winding Refn por este 'Drive'. Quase todas as pessoas de bom gosto que eu conheço gostaram muito do primeiro e não gostaram nada do segundo. Pois comigo sucedeu precisamente o contrário.

Dou desde já de barato que o lado 'videoclip' do filme pode irritar muito boa gente, mas se há um ou outro momento mais exibicionista (nomeadamente na banda sonora), a aposta é ganha, pois o estilo é aqui o que mais conta. Não se chega ao extremo de um Gaspar Noe em 'Enter the Void', mas percebem a ideia. Aliás há uma data de outros realizadores de que me fui lembrando ao longo da fita: Tarantino (na cena do abalroamento do carro de Nino), os irmãos Cohen (na conversa entre Nino e Bernie na pizzaria) e até Guy Ritchie, no final (eu não disse que o filme é perfeito). Mas Refn embrulha todas estas referências e dá-nos algo que bate. É estranho mas bate.

E os actores, é impossível falar deste filme sem falar na sua dupla de protagonistas: confesso que estranhei durante um bom bocado o lacónico driver de Ryan Gosling, algures entre Steve McQueen e Alain Delon, mas o certo é que acabou por se entranhar (e certamente aquele sorriso melancólico apelará mais ao sexo feminino). E para Carey Mulligan não tenho adjectivos suficientes: não tendo mais do que meia dúzia de deixas em todo o filme, a sua beleza tranquila contribui tanto como a câmara ensonada de Refn e a banda sonora retro de Cliff Martinez para o peculiar ambiente do filme.

E mesmo não tendo Refn a subtileza de Michael Man, desde 'Miami Vice' que eu não via um filme que combinasse tão bem acção (não muita, mas ainda assim com dois pontos altos, uma bela perseguição de carros e um assassinato de uma violência inaudita) com romantismo (é muito bonita a relação do par).

Volto atrás. 'Drive' não é um filme que pretenda transmitir-nos qualquer lição filosófica (ao contrário de 'A árvore da vida', as pretensões aqui estão todas no estilo) e percebo perfeitamente quem não goste dele - bem visto, muito do que eu aqui disse poderia servir para fundamentar uma opinião negativa - mas a verdade, verdadinha é que só aqui e em 'O Cisne Negro' eu senti algo a mexer comigo este ano nas salas de cinema.

Drive, E.U.A., 2011. Realização: Nicolas Winding Refn. Com: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks, Oscar Isaac, Christina Hendricks, Ron Perlman.

Estado das coisas

2011-12-14T12:47:00.002Z

Vejo nas labels aqui do lado esquerdo (e também é para isso que serve este blog, para me servir um pouco de memória) que em 2007 assisti a 89 estreias em sala e no ano seguinte a 85. Este ano, até à data, não passei dos 33 filmes. Por razões várias, a menor das quais não será o meu progressivo desinteresse pelo que vai estreando, cada vez menos me desloco às salas de cinema (na quantidade de filmes que vejo em casa a decadência é menos acentuada, mas já dou por mim a rever muita coisa).

Conclusão: como é habitual desde que abri o blog (ver sidebar novamente s.f.f.), estava a tentar fazer o meu top 10 anual e, pura e simplesmente, não consigo. Não vi 10 filmes que considere dignos de constar num top destes. Nem 5. Para agravar a coisa confirmo que nem vi a maioria dos que certamente constarão das listas dos críticos especializados (como nesta de Luis Miguel Oliveira).

De modo que ou me ponho a ver potenciais candidatos de empreitada (a maioria necessariamente num écran de TV, o que não é a mesma coisa), para o que não tenho lá muita paciência (mas pelo menos o Hellman tenho que ver; e o Van Sant, se sair de Lisboa e estrear pelo menos no Porto) ou este ano lá se vai o top. Mas enfim, tentando que a tradição ainda seja o que era, vamos ver se pelo menos um top 5 eu consigo cozinhar, até porque me cheira que os poucos filmes de que gostei muito não vão aparecer em muitos tops por aí.

500

2011-12-10T22:57:00.001Z

O vídeo acabou por reduzir o número de filmes que estão facilmente acessíveis, dos milhares que em tempos corriam em película e na televisão comercial, a um pequeno grupo de títulos 'famosos' (à volta de 500) que circulam em DVD.

Bernard Eisenschitz, crítico francês e biógrafo de Nicholas Ray, no ípsilon de 02.12

Um método perigoso

2011-11-28T13:51:00.001Z

'Um método perigoso' trata da relação entre Jung e a sua paciente e mais tarde amante Sabina Spielrein, tendo como pano de fundo a sombra tutelar de Freud, mestre de Jung antes de este 'matar o pai' e seguir o seu próprio caminho.

Baseado numa peça de Christopher Hampton este é consequentemente um filme de diálogos e actores e boa parte do destaque tem que ir para estes, nomeadamente para Keira Knightley, que resiste bravamente ao overacting não obstante interpretar uma neurótica com histeria.

E David Cronenberg também nos dá a sua própria lição, de como filmar um 'biopic histórico' sem cair no academismo: jamais conseguiria parir uma enfanhodice à 'Discurso do Rei'.

'Um método perigoso' está longe de ser o mais cronenbergiano dos seus filmes, mas não é de forma alguma o Cronenberg 'de prestígio' a que alguns o quiseram reduzir. Não exercerá o fascínio de outros filmes do realizador canadiano, nomeadamente da sua recente dupla dobre a violência, mas é facilmente um dos melhores filmes estreados por cá este ano.

A Dangerous Method, Canadá/Alemanha/Grã-Bretanha/Suíça, 2011. Realização: David Cronenberg. Com: Viggo Mortensen, Keira Knightley, Michael Fassbender, Vincent Cassel, Sarah Gadon.

Habemus Papam - Temos Papa

2011-11-25T09:28:00.001Z

Uma hora e meia muito, muito divertida - e como Moretti se deve ter divertido a filmar as pequenas maldades que fez a todos aqueles cardeais (as maldades grandes estão reservadas para os psicanalistas) - e dez minutos finais muito bizarros. Depois de um Almodóvar inesperado, um Moretti desconcertante. Já nem sei o que espere do Cronemberg.

Habemus Papam, Itália/França, 2011. Realização: Nanni Moretti. Com: Michel Piccoli, Nanni Moretti, Renato Scarpa, Jerzy Stuhr.

Billy Wilder - Top 10

2011-11-23T20:44:00.000Z

Numa célebre cena de 'Manhattan', a personagem interpretada por Woody Allen, quando pensa no suicídio, elenca uma série de razões pelas quais vale a pena andar aqui. Uma delas é 'Grouxo Marx'.

Eu, se fizesse uma lista semelhante, poria no topo 'Billy Wilder'. Aqui vai o meu top ten dos seus filmes.

1. O Apartamento (The Apartment, 1960)

Talvez a mais amarga das genialmente cáusticas comédias de Billy Wilder. Realçar o fabuloso par Jack Lemmon/Shirley MacLaine.

2. Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard, 1950)

O filme definitivo sobre Hollywood. Provavelmente o filme mais icónico e famoso do mestre, e certamente um dos filmes maiores da história do cinema. Mas eu tinha que pôr uma comédia em primeiro lugar!

3. Beija-me, Idiota (Kiss me Stupid, 1964)

Talvez a mais cáustica das genialmente cáusticas comédias de Billy Wilder. "Este obsceníssimo filme
de Billy Wilder" foi como Jorge Silva Melo se lhe referiu em artigo no Público.

4. Pagos a dobrar (Double Indemnity, 1944)

A única incursão de Wilder pelo film noir (adaptação de James M.Cain por Wilder e Raymond Chandler), é para muito boa gente o melhor exemplar do género. Enough said.

5. Quanto mais quente melhor (Some Like it Hot, 1959)
Provavelmente o filme de maior exito de Marylin Monroe, cortesia de Mr.Wilder. Está permanentemente no topo da minha lista de 'feel good movies'.

6. O inferno na terra (Stalag 17, 1953)
O judeu germânico Wilder filma um campo de prisioneiros nazi (cujo comandante é interpretado por Otto Preminger) e dá-nos um retrato mais do que corrosivo e cruel da humanidade. A começar pelos prisioneiros americanos...

7. Cinco covas para o Egipto (Five Graves to Cairo, 1943).

Ao terceiro filme (segundo americano) Wilder mostra que até a fazer filmes de propaganda é grande. Erich Von Stroheim, sete anos antes do seu famoso papel em Sunset Boulevard, interpreta, nem mais nem menos que o Marchal Rommel . Um personal favourite.

8. Irma La Douce (1963)

De novo o par Shirley MacLaine /Jack Lemmon. 'Reparem na imensa lógica que faz começar este filme na rua das putas e acabar numa igreja', advertiu-nos João Bénard da Costa.

9. Os amigos da onça (Buddy Buddy, 1981)

A despedida do mestre, em 1981, com 75 anos, será também a última reunião da grande dupla de buddies, Jack Lemmon e Walter Mathau.

10. Amor à italiana (Avanti!, 1972)

"Happiness is working with Jack Lemmon", disse um dia Wilder. E vê-lo em acção. Again and again.

A pele onde eu vivo

2011-11-22T14:28:00.000Z

Um 'cientista louco' à 'Les yeux sans visage', uma vingança à Chan-wook Park e um final melodramático... eis muito resumidamente o último Almodóvar.

As duas primeiras sentenças não batem bem com o realizador espanhol? Pois no filme as coisas também não batem lá muito bem. Acima de tudo, parece-me que a maior crítica que se pode fazer a 'A pele onde eu vivo' é - passe o trocadilho - que é um bocado descosido. As coisas parecem não encaixar totalmente, há muitas pontas soltas (como a aparição do bizarro 'Zeca' que não dá em nada), e nunca se percebe totalmente o que Almodóvar pretende com este filme.

Dizer que é estranho (no sentido em que se pode dizer que os últimos filmes de Coppola são estranhos) não explica a coisa. Parece-me mais que é um passo em falso do espanhol, que tentou fugir (embora não tanto como possa parecer) ao seu universo habitual e só não se espetou completamente dado o seu enorme talento como realizador. Porque este argumento...

La piel Que habito, Espanha, 2011. Realização: Pedro Almodóvar. Com: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Roberto Álamo.

Giallo!

2011-11-17T21:06:00.000Z

Parte da grandeza do cinema italiano vem da capacidade que teve para gerar géneros (ou subgéneros) autóctones, que em muito marcaram a história do cinema: desde logo o peplum (Sword And Sandal, chamam-lhe pragmaticamente os anglo-saxónicos) e a 'comédia à italiana', mas também (sub)géneros mais associados a 'séries B', notoriamente o western spaghetti e o giallo.

O giallo (à letra 'amarelo', cor das capas dos livros de detectives lançados no final dos anos 20 pela editora Mondadori) é talvez o género mais difícil de definir. "The Italian sub-genre that combined barroque horror with the detective thriller" é como é apresentado na entrada sobre Mario Bava do Rough Guide to Movies, e não me parece mal.

Mario Bava, precisamente, é considerado o pai dos gialli. Director de fotografia desde o inicio dos anos 40 (de filmes de Jacques Tourneur ou Raoul Walsh, por exemplo) , estreou-se atrás das câmaras em 1960 com 'A máscara do demónio', um clássico instantâneo do horror gótico. Três anos depois dirigiria aquele que é geralmente considerado o primeiro giallo: 'A rapariga que sabia demasiado' (embora o conceito do género seja tão lato que haja quem atribua a sua paternidade a 'Ossessione' de Visconti...).

Embora assumida e obviamente devendo muito a Hitchcock, neste excelente filme de Bava com efeito já estão presentes muitas das marcas dos futuros gialli: há um assassino em série, há um estrangeiro que se encontra em Itália, se vê metido por acaso na trama, e que vai investigar por conta própria (uma constante nos filmes de Argento), há muita psicanálise metida ao barulho (até ao fim põe-se a hipótese de tudo não passar da imaginação da protagonista), há muito estilo no modo de filmar, e há até uma 'solução' que envolve duas pessoas (outra constante em Argento). Ainda faltam aqui outras características marcantes, como a fotografia de cores berrantes (o filme é a preto e branco) e o gore em geral, mas esses chegariam no filme seguinte de Bava, de 1964, 'Sei donne per l'assassino' (ou 'Blood and Black Lace', que estes filmes eram sempre dobrados quer em italiano quer em inglês).

Os dados estavam então lançados, mas o género só se tornaria uma força equivalente aos spaghetti, aos peplum ou aos filmes de terror, já na entrada da década de 70, quando o mais dotado dos discípulos de Bava se estreou na realização: Dario Argento, um conceituado argumentista (com Leone e Bertolluci de 'Aconteceu no Oeste', por exemplo), que com 'O pássaro com plumas de cristal' (1970) reinventou o giallo, permanecendo o filme como uma das melhores primeiras obras do cinema.

Se alguém quiser ver um giallo que veja este, que está lá tudo, desde os peculiares e e influentíssimos movimentos de câmara de Argento, da sua composição 'operática' das cenas - a sequência do assassinato inicial, digna de Hitch, tem 3 longos minutos e 66 planos - até às obsessões perenes do realizador, como a testemunha ocular que tem muito freudianamente que voltar ao local do crime até se lembrar do que efectivamente aconteceu, e que de uma forma quase paranóica não desiste de encontrar o culpado. Acrescentem-se os nomes de Ennio Morricone e Vittorio Storaro (para os mais distraidos: um dos maiores compositores de bandas sonoras e um dos maiores directores de fotografia da história do cinema) à ficha técnica e admire-se o que Argento conseguiu na sua estreia.

Argento faria outros filmes que carregam mais no lado do sobrenatural (como o muito famoso 'Suspiria'), mas na minha opinião só voltou a atingir a força desta sua primeira obra noutro giallo 'puro', que é uma espécie de refinamento do 'Pássaro...': 'Profondo Rosso', com David Hemmings (o actor de 'Blow Up'), em que Argento exponencia o grau de violência e introduz o rock progressivo (dos Goblin) na banda sonora, outra inovação que toda a gente adoptaria depois dele. 'Profondo Rosso' permanece talvez como a sua obra mais carismática.

Se, como vimos, Mario Bava é o pai do giallo e Dário Argento o filho que deu continuidade e superou a obra do pai, a Santíssima Trindade do género é completada com Lúcio Fulci, que não será bem o Espírito Santo, mas mais uma espécie de Anjo demente.

Ao contrário de Argento (que praticamente se cingiu ao género ‘giallo/terror’ e o elevou a um patamar único), Fulci tocou em todos os subgéneros 'série B' imagináveis (é, por exemplo, realizador do inclassificável 'Zombi 2').

Senhor de um estilo muito próprio, mais ‘cru’ e menos estilizado que o do restante trio, atingiu o seu cume no giallo com o magnífico ‘Non si sevizia un paperino' (Don't Turture a Duckling', 1972), em que sugere que tanto ou mais perigoso que o assassino de crianças que anda à solta numa terriola italiana, é a própria comunidade retrógrada e altamente preconceituosa, que lincha sem grandes problemas de consciência o suspeito (errado) mais ‘óbvio’: a bruxa da aldeia… E as maldades de Fulci não se ficam por aqui: só vendo.

Há inúmeros outros realizadores que se dedicaram ao género, e aqui podem-se encontrar os mais desvairados exemplos, a maior parte deles carregando mais na nudez e no sexo que os filmes dos mestres, e - acrescente-se - muitos deles com títulos fabulosos (como por exemplo 'Your Vice is a Locked Room and Only I Have the Key', um belo filme de Sergio Martini muito livremente inspirado no famoso conto de Poe, 'O gato negro') .

Eu, por mim, posso dizer que desde que andei a ver spaghettis que não me divertia tanto nem ficava tão 'viciado' em descobrir novos filmes.

Gialli essenciais:

O pássaro das plumas de cristal, Dario Argento, 1970 (****1/2)

Profondo Rosso/O mistério da casa assombrada, Dario Argento, 1975 (****1/2)

Non si sevizia un paperino, Lucio Fulci, 1972 (****)

A rapariga que sabia demasiado, Mario Bava, 1960 (****)

Sei donne per l'assassino, Mario Bava, 1964 (***)

As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne

2011-11-12T21:02:00.001Z

Este Tintim da firma Spielberg/Jackson é um entretenimento levezinho, que pelo que pude constatar não desiludiu a miudagem que estava na sala, mas que, não obstante uma ou outra sequência mais exuberantemente coreografada - a invasão dos piratas ao navio do antepassado do Capitão Haddock; a perseguição em Marrocos - dificilmente entusiasmará quem vá à espera de algo mais do que competência técnica e utilização de tecnologia de ponta. Custa-me mesmo perceber que alguém com mais de 18 anos possa sentir mais do que uma indiferença mais ou menos bocejante pela coisa...

The Adventures of Tintin, E.U.A./Nova Zelândia, 2011. Realização: Steven Spielberg. Longa-metragem de animação.Vozes (versão original): Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost

Crazy Horse

2011-11-07T17:26:00.001Z

‘Crazy Horse’ pode ser visto como um filme gémeo de 'Dança - Le Ballet de L´Opera de Paris'. Depois de deambular por uma das companhias de ballet mais prestigiadas do mundo, Wiseman vira-se agora para o auto-intitulado melhor espectáculo de dança de nus do mundo.

E o mínimo que se pode dizer é que no Crazy Horse se levam tão a sério como no Ballet de l’Opera. O coreógrafo queixa-se da pressão dos accionistas sobre datas de estreia, mas ele responde que não acorda genial todos os dias, e que não se podem impor prazos a artistas. E o director artístico fala mesmo em Fassbinder e Michael Powell para explicar as suas criações. E todos têm teorias próprias sobre a mulher, a feminilidade, o desejo.

Este filme tem sido criticado, no entanto, por Wiseman se deter mais no espectáculo, mostrando-nos inúmeros ‘números’, do que naquilo que se passa à volta, ou no que está por trás. E penso que as críticas têm alguma razão de ser, não obstante alguns momentos magníficos de humor e subtileza (como quando o realizador nos mostra as bailarinas num momento de descontracção a verem um vídeo de ‘apanhados’ de dançarinas famosas, do Bolshoi, etc., a caírem, ou em situações cómicas provocadas por falhas; ou quando nos dá uma panorâmica do público da casa meramente mostrando-nos a impressão das fotografias que os espectadores tiram para recordação).

Mas de facto (a montagem de) Wiseman centrou-se essencialmente nos números do Crazy Horse, o que às tantas, paradoxalmente, torna o filme um pouco aborrecido. Mas talvez Wiseman tenha tentado captar assim o que desde à décadas tanto atrai milhares e milhares de pessoas (uma boa fatia das quais mulheres, é-nos dito por uma responsável) para este espectáculo.

Seja como for, se não é um Wiseman de 5 estrelas, é um Wiseman de 4 estrelas. A não perder, portanto.

Crazy Horse, Estados Unidos/França, 2011. Realização: Frederick Wiseman. Documentário.

Buddy Buddy - Os amigos da onça

2011-10-23T21:14:00.001+01:00

Nos anos 60, findaram as carreiras de Frank Capra, Charles Chaplin, Michael Curtiz, John Ford, Howard Hawks, Fritz Lang, Mervin LeRoy, Leo McCarey, George Stevens, Jacques Tourneur, Raoul Walsh, King Vidor, William Wyler, entre outros. Nos anos 70, terminaram as de Alfred Hitchcock, Elia Kazan, Joseph L.Mankiewicz, Vincent Minelli, Otto Preminger, Nicholas Ray, Douglas Sirk, Orson Welles, etc., etc. O ano de 1981 ficou a assinalar o fim das obras de George Cukor e Billy Wilder. Dos grandes clássicos, só John Huston prosseguiu mais algum tempo, até à morte. Nessas três décadas - aparte a persistência de um ou outro veterano - todo o cinema americano da grande época desapareceu. Buddy Buddy é um dos marcos históricos desses fins. Veremos - se Deus nos der vida e saúde - muita coisa. Nunca mais veremos um Billy Wilder. Com este filme, como com Rich and Famous de Cukor, dissemos adeus a uma época. É sempre triste.

João Bénard da Costa, 'Folhas da Cinemateca - Billy Wilder'

Ciclo Giallo

2011-10-19T21:07:00.000+01:00

No My One Thousand Movies.

Obs.: Quem for contra o 'sacanço' pode sempre servir-se do blog apenas como guia. Não dará o seu tempo por mal empregue. (mas claro que terá imensas dificuldades em encontar à venda em dvd muitos dos filmes)

Play it Again, Sam

2011-10-15T00:44:00.000+01:00

Foi o próprio Woody Allen quem disse, numa entrevista, que em 1975 resolveu "acabar com as palhaçadas" (leia-se o período que vai de 'O inimigo público' a 'Nem guerra nem paz') e dar "um primeiro passo rumo à maturidade" (leia-se começar a escrever 'Annie Hall'). E, de facto, há na sua obra um antes e depois de 'Annie Hall' (lançado em 1977). Mas, na minha opinião, há um elo perdido entre estas duas 'fases': 'Play it Again, Sam' (de 1972, o mesmo ano de 'O ABC do amor'), interpretado e adaptado pelo próprio Woody da sua peça homónima (onde conheceu Diane Keaton), mas realizado por Herbert Ross.

'Play it Again, Sam' (penso que por cá se chamou 'O grande conquistador'...) é um filme muito, muito divertido, quer ao nível do argumento (Allen era já imbatível a escrever piadas memoráveis - e a cena recorrente do workaholic que, numa época pré-telemóveis, telefona para o escritório donde quer que esteja a dar o número de telefone desse local, é brilhante), quer da interpretação de Allen (que teria sido um grande actor do mudo) no papel de um desastrado crítico de cinema, que tem conversas imaginárias com Humprey Bogart sobre como conquistar uma mulher, agora que a sua o deixou (e o filme está sempre a citar 'Casablanca'). Mas tem também muitas marcas do que virá a ser a sua obra futura, sobre pessoas inseguras, que não sabem qual o melhor caminho para a sua vida, com aquele toque de angústia existencial que nunca mais deixámos de associar a Allen.

Como disse, o filme não foi realizado por Allen mas, sem desmerecer Herbert Ross, é como se fosse. E eu, não hesito em colocá-lo entre os seus melhores.

Play it Again, Sam, E.U.A., 1972. Realização: Herbert Ross. Com: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Jerry Lacy.

Submarino

2011-10-13T09:37:00.001+01:00

Sempre estreou. Escrevi sobre ele aqui.

Meia-Noite em Paris

2011-09-26T11:34:00.000+01:00

Eu sei que a ideia de Woody Allen era mesmo simplificar: mostrar uma Paris de postal, idealizada, de sonho, o mais contrastante possível com os States. Mas o problema é que nada neste filme de fantasia ganha espessura, e não há uma única personagem de carne e osso, nem nas ‘actuais’, nem nas ‘históricas’ (Hemingway é mesmo caricaturizado até ao ridículo). E, embora Allen não saiba escrever maus diálogos, a verdade é que aqui são menos memoráveis do que o habitual, e mais do que uma sensação de ‘leveza’ deliberada que sentimos em alguns dos seus filmes, aqui pareceu-me que faltava mesmo alguma coisa.

Se é certo que o Allen touch não se perdeu de todo e estão presentes em ‘Meia-noite em Paris’ algumas das suas imagens de marca (uma das características perenes dos seus filmes que mais me encanta é a capacidade dos seus idiossincráticos avatares – aqui Owen Wilson – arranjarem belas mulheres), não posso deixar de pensar que não obstante este ser um dos filmes de maior sucesso comercial nos 45 anos de carreira do realizador, é também um filme menoríssimo na sua (grandiosa) obra.

Midnight in Paris, Espanha/E.U.A., 2011. Realização: Woody Allen. Com: Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Carla Bruni, Kathy Bates, Léa Seydoux.

Colombiana

2011-09-12T22:50:00.000+01:00

Fosse o assassino 'justiceiro' deste filme protagonizado por um qualquer Jason Statham e o filme não valeria um chavo. Sendo-o por Zoe Saldana, enfim, como o dizer, continua a não valer um chavo, mas... percebem onde eu quero chegar.

Colombiana, E.U.A./França, 2011. Realização: Olivier Megaton. Com: Zoe Saldana.

Cowboys & Aliens

2011-08-25T09:49:00.003+01:00

Eis a última ideia genial que saiu dos crânios de Hollywood: juntar cowboys e aliens. Dito de outra maneira: fazer um filme de cóbóis em que os inimigos não são peles-vermelhas mas sim E.T.s (peles-cinzentas, no caso); ou, se o caro leitor preferir, um filme de ficção cientifica em que os malévolos extra-terrestres aterram no velho Oeste.

O resultado, previsivelmente, é desastroso. Como sci-fi fica infinitamente aquém de qualquer série Z de há 40 anos; como western está tão, mas tão afogado em clichés desde os primeiros minutos, que não há Daniel Craig (que poderia ser um digno sucessor de Eastwood à frente da câmara), nem plano das belas paisagens de Plaza Blanca (mas que falta me fez um ecrã maior que o dos shoppings) que o salve da ruína.

E assim vai Hollywood: infantilizada, sem memória, sem aprender nada, sem respeitar os seus géneros clássicos. Patética. Triste. Deprimente.

Cowboys & Aliens, E.U.A., 2011. Realização: Jon Favreau. Com: Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde, Sam Rockwell, Clancy Brown, Adam Beach, Paul Dano, Keith Carradine.

Submarino

2011-08-24T09:52:00.001+01:00

A primeira e óbvia referência que nos vem à cabeça, ainda 'Submarine' vai no início, é Wes Anderson, principalmente pelo estilo das personagens, que poderemos sintetizar como 'cromos com pinta'. Podemos inclusive ser mais picuinhas: o pai de Oliver, o jovem protagonista, é um biólogo marinho ('Zissou'...) e é possível descortinar algo de Max Fischer ('Rushmore') no próprio Oliver.

Mas, de resto, diga-se que o filme é mais convencional do que um filme de Anderson, desde logo no argumento, que mantém sempre o nosso interesse, mas não foge muito às habituais histórias 'Coming of age' - o primeiro amor, a descoberta do sexo, as crises familiares: em suma, é bastante mais terra-a-terra do que algo saído da cabeça de Mr.Anderson (e definitivamente quem a fez deitou a receita fora).

Quanto à realização também tem algo de andersoniano, mas peca por, de tanto querer procurar o melhor plano, o enquadramento mais bonito, o tom mais elegante, por vezes não evitar cair nalguma estética 'videoclip', de dar demasiadamente nas vistas.

Mas talvez sejam pecadilhos de primeira obra, até porque Richard Ayoade consegue, quando quer, emocionar-nos, e o filme tem meia dúzia de planos que ficam, nomeadamente o final, que cita enviesada mas explicitamente 'Os 400 golpes'. E como não gostar de um filme que começa a homenagear Wes Anderson e acaba a lembrar-se (e a lembrar-nos) assim deTruffaut?

Submarine, Reino Unido, E.U.A., 2010. Realização: Richard Ayoade. Com: Noah Taylor, Paddy Considine, Craig Roberts, Yasmin Paige, Sally Hawkins. [A estreia de Submarino por cá já esteve agendada para dia 1 de Setembro; entretanto passou para dia 29. A ver vamos...]

Promete...!

2011-08-23T18:06:00.002+01:00

(VIA)

Super 8

2011-08-17T00:08:00.000+01:00

É verdade que os miúdos são estupendos e que há aqui vontade de "contar uma história com pessoas", mais do que exibir efeitos especiais e milhões, o que vai sendo raro hoje em dia em Hollywood, mas também é verdade que o argumento é um bocado esquemático, as personagens são assim para o estereotipado (aqueles pais!), a realização é spielbergiana de mais (até nalguma lamechice) e é preciso uma boa dose de 'suspension of disbelief' para engolir todas as façanhas do nosso jovem herói.

Mas talvez tenha sido essa vontade de Abrams de fazer um filme 'à moda antiga' em tempos de Super-heróis em 3D, ainda por cima pondo como protagonistas uns jovenzinhos que estão eles próprios a rodar um filme (de zombies!), que levou tanto crítico parcimonioso a pôr esta fita nos píncaros. A mim não me aborreceu excessivamente, mas daí a ser um 'Conta comigo' vai uma distância daqui a Marte.

Super 8, E.U.A., 2011. Realização: J.J. Abrams. Com: Joel Courtney, Elle Fanning, Kyle Chandler, Riley Griffiths, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Ron Eldard.

Férias

2011-08-01T00:40:00.001+01:00

A propósito de uma recente votação ("Ranking Especial de Alfred Hitchcock") da Liga dos Blogs Cinematográficos, verifiquei que estava apto a votar em 36 filmes do mestre. A maior parte deles foi por mim descoberta numa colecção que saiu em VHS, nos quiosques, há uns bons anos, e que me levou bastante tempo a repor (parcialmente) em DVD.

Pus-me a pensar que Hitch é inegavelmente o realizador de que vi mais filmes - o que não será de admirar tendo em conta que: 1) Realizou uma catrefada deles (cinquenta e poucos, incluindo os mudos) ; 2) Grande parte deles estão acessíveis em DVD; 3) É o meu realizador preferido.

E o caro leitor, qual é o realizador de quem viu mais filmes?

Gianni e as mulheres

2011-07-25T21:16:00.001+01:00

‘Gianni e as mulheres’ vê-se como uma continuação de ‘Almoço de 15 de Agosto’, não obstante Gianni, a persona que o realizador criou no filme anterior, nos aparecer casado e com uma filha.

Mas agora, além de continuar a ser atormentado pela sua formidável mãe, Gianni tem outra inquietação: para lá dos omnipresentes velhos com que se cruza, está também rodeado de belas e jovens mulheres por todo o lado (a vizinha de baixo, a enfermeira que cuida da mãe, umas gémeas clientes do seu amigo advogado, etc., etc.), mas elas vêm-no apenas como um avozinho, não como um homem desejável. Gianni está em plena crise dos 60: é invisível para as mulheres, não compreende os mais novos (a começar pela sua filha e o palerma do namorado), nem os novos tempos (uma ex quer que ele cozinhe sem azeite nem cebola).

À semelhança de Gianni também este filme é, de certa forma, um filme fora de moda. É um filme caloroso, de um realizador que filma o seu bairro, a sua família, as suas peripécias mais ou menos cómicas, mais ou menos patéticas. Que nos faz lembrar que este tipo de cinema quase desapareceu: um cinema despretensioso, simples, popular - e inteligente, cómico, pertinente, próximo. É o tipo de filme que me reconforta: por muito que me digam que é 'coisa do passado', a sua simples existência dá-me alguma esperança para o futuro.

Gianni e le Donne, Itália, 2011. Realização: Gianni Di Gregorio. Com: Gianni Di Gregorio, Valeria De Franciscis, Alfonso Santagata, Elisabetta Piccolomini, Valeria Cavalli.

100 filmes para acabar de ver filmes (96)

2011-07-23T19:05:00.000+01:00

A Melhor Despedida de Solteira

2011-07-22T00:03:00.000+01:00

A minha ideia, quase no final de uma semana de muito trabalho, era por uma vez escapulir-me a horas decentes e meter-me numa sessão de fim de tarde (a melhor hora para ver um filme em sossego) e escolher uma coisa palerma e divertida. Devo dizer que não achei 'A melhor despedida de solteira' assim tão divertido. Mas a boa notícia é que está longe de ser palerma. Pelo contrário, achei-o de uma maturidade assinalável (claro que no actual estado infantilizado de Hollywood as expectativas são sempre baixas, mas ainda assim).

Desde logo tem uma actriz imensa - Kristen Wiig - de quem eu nunca tinha ouvido falar, mas que mete todos os Seth Rogen deste mundo num bolso. Depois, tem uma realização sóbria, o que nestes casos é um elogio e não um chavão (há duas ou três cenas que eu teria dispensado, mas até aí a escatologia é contida e são mesmo só duas ou três). Finalmente, e aqui está o espanto maior, tem um belo argumento, que dá vida às suas personagens (Annie/Wiig na primeiríssima linha) e que, como quem não quer a coisa, à sua maneira, simples e directa, critica muito mais implacavelmente um certo tipo de vida americano, de aparências & dinheiro, do que qualquer 'Girlfriend Experience', para ficarmos por outra estreia recente.

É verdade que não me ri às gargalhadas. Mas estive sempre com um sorriso na boca e tive o prazer, cada vez mais raro numa sala de cinema, de ser agradavelmente surpreendido.

Bridesmaids, E.U.A., 2011. Realização: Paul Feig. Com: Kristen Wiig, Rose Byrne, Maya Rudolph, Melissa McCarthy, Chris O`Dowd, Ellie Kemper, Wendi McLendon-Covey, Jon Hamm.

Confissões de uma Namorada de Serviço

2011-07-21T13:44:00.002+01:00

Desde a sua estreia com o marcante 'Sex, Lies and Videotape' que Soderbergh tem deambulado entre o mainstream com grande vedetas, e os filmes experimentais de pequeno orçamento. E em ambos os casos tem sido capaz do melhor e do pior.

'The Girlfriend Experience' (de 2009 mas que só agora por cá estreia), insere-se nos tais filmes de pequeno orçamento e, se não tem uma grande estrela de Hollywood, tem uma (ex-) estrela...porno: Sasha Grey (uma actriz sofrível, sempre com aquele ar narcotizado que as porn stars têm, mas ainda assim não desinteressante; já os restantes actores são todos péssimos).

O filme vai acompanhando uma escort girl, e os relatos distantes e profissionais dos seus encontros (e muitas vezes os clientes só querem conversar) são o mais interessante que o filme tem para dar. O resto, a relação com o seu namorado (que tem um emprego 'normal' num ginásio), os 'desafios' do seu negócio (a net, os árabes, as concorrentes, etc, etc) é assim para o bocejante (mas percebe-se que uma das intenções do filme será mostrar esta mulher como uma 'vulgar' mulher de negócios).

Para dar um toque mais 'filme experimental' há ainda umas cenas paralelas, relacionadas com o tal namorado, que contextualizam o filme nos tempos da campanha de Obama e do crash financeiro, montadas mais ou menos aleatóriamente, e que me fizeram lembrar o pior Soderbergh (o do muito pretencioso e intelectual-chic 'Full Frontal'). Tudo somado, fica uma fita francamente esquecível.

The Girlfriend Experience, E.U.A., 2009. Realização: Steven Soderbergh. Com: Sasha Grey, Chris Santos, Philip Eytan, T. Colby Trane, Peter Zizzo.

A Minha Versão do Amor

2011-07-16T21:29:00.002+01:00

A escritora Esi Edugyan justifica a inclusão de 'Barney's Version' no seu Top 10 de 'melhores histórias de americanos na Europa' por, apesar de a maior parte do livro se passar em Montreal, as 'passagens mais engraçadas decorrerem em Paris', onde o jovem Barney leva uma vida de boémia com os seus amigos artistas.

No filme não se passa nada disto: esta primeira parte 'europeia' (que se passa em Roma) é apenas um leve divertimento. Só quando Barney já está bem instalado na vida, como produtor de TV no seu Canadá natal, e especificamente quando se apaixona pela que será a sua 3ª mulher (o que acontece durante a cerimónia do seu 2º casamento!) é que o filme ganha alguma profundidade. Só aí sentimos a espessura desta personagem, que não consegue largar o álcool nem quando tem um casamento feliz, uma mulher que ama, e uma vida boa. Só aí entrevemos o homem com sentido de humor, excessivo, impulsivo, mas auto-destrutivo, que irá abaixo quando a mulher o deixa e a doença (Alzheimer) o ataca, conseguindo aqui, ser mesmo comovente.

Mas nem esta progressão à medida que o filme avança, nem um casting perfeito (com natural destaque para Giamatti, cujo processo de envelhecimento é perfeito, mas também para a luminosa Rosamund Pike e para o delicioso secundário Dustin Hoffman), nos consegue livrar da sensação de estarmos apenas a assistir a uma 'adaptação de qualidade'. Falta ao filme alma, ou se quisermos ser mais prosaicos, um Alexander Payne atrás das câmaras.

Barney`s Version, Canadá/Itália, 2010. Realização: Richard J. Lewis. Com: Paul Giamatti, Dustin Hoffman, Minnie Driver, Rosamund Pike, Rachelle Lefevre, Scott Speedman.

Mas alguém dá uma tampa ao Polanski?

2011-07-14T22:07:00.004+01:00

Nunca se sentiu deprimida?

(...) Refugiava-me no cinema e adorava filmes de autor, de Fellini, Godard. Durante um mês fui ao cinema todos os dias, esquecia-me da minha tristeza. As pessoas diziam, "olha aquela, morreu-lhe a mãe e já está no cinema". Sempre fui muito criticada. Também gostava muito de ler.

Li que frequentou o Festival de Cannes durante 17 anos.

Conheci imensa gente, tu é que provavelmente não sabes quem são, a Romy Schneider, o Omar Sharif... Dizia-lhes "hello, I''m your fan". Um dia encontrei o Polanski no Copacabana Palace, no Rio de Janeiro. Eu tinha acabado de ver o "Rosemarys Baby", e ainda por cima era muito parecida com a mulher dele, que era a Sharon Tate, que depois foi assassinada. Ele estava sentado nas minhas costas, tinha eu 23 ou 24 anos. Virei-me e disse-lhe olá. Ele, ao ver uma loira toda gira e muito lolita, que sabia os filmes todos dele, ficou passado e convidou-me para dançar. Mas o meu marido não deixou: "Não vais dançar com esse pervertido." Mas alguém dá uma tampa ao Polanski? Eu dei, mas quando cheguei à casa de banho ele estava à minha espera e pregou-me um beijo na boca. "At least I kissed you."

2011 - 1º semestre - II (depois do muito bom, o muito mau)

2011-07-12T23:59:00.000+01:00

2011 - 1º Semestre

2011-07-11T10:33:00.000+01:00

100 filmes para acabar de ver filmes (97)

2011-07-06T01:06:00.009+01:00

“Have you no shame?” - foi a frase proferida pelo advogado Joseph Welch a Joseph McCarthy que acabou com a carreira deste senador americano , um dos responsáveis máximos pela caça às bruxas do pós guerra. Joseph Welch era também actor e interpretou o juiz bonacheirão deste “filme de tribunal”. Este género de filmes assenta em três premissas singulares do sistema judicial americano: a influência dos advogados de defesa e acusação sobre um grupo de jurados representantes do “povo”, a dinâmica de grupo e a pressão dos pares que obriga a que estes jurados produzam uma opinião consensual e o precedente judicial estabelecido por uma decisão de um juiz que estabelece uma nova lei com uma decisão arbitrária. Esse contexto permite a este tipo de filmes transformarem-se em westerns em que a palavra substitui a pistola e em que o desfecho depende quase exclusivamente da habilidade dos intervenientes em esgrimirem os seus argumentos e transformam o veredicto final quase numa lotaria. O caso recente do julgamento de O. J. Simpson salta à memória.

O filme centra-se no duelo entre os advogados – James Setwart e George C. Scott e mostra quase exclusivamente as cenas de tribunal, nunca são mostradas quaisquer cenas em flashback que possam ajudar o espectador a tirar as suas conclusões. É um dos melhores filmes do género. Na variante deste género dedicada à influência que um homem de personalidade forte pode ter na decisão de um grupo de jurados recomendo o 12 Angry Man (Doze homens em fúria) de Sidney Lumet. Destaques ainda para o cartaz intemporal de promoção deste filme e para a banda sonora de Duke Ellington.

Anatomy of a murder E.U.A., 1959. Realização: Otto Preminger. Com: James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara, George C. Scott, Joseph Welch

100 filmes para acabar de ver filmes (98)

2011-06-29T22:04:00.010+01:00

Mais um filme com a palavra “About” no título. "Eva" tem a particularidade de ter tido duas nomeações para o Oscar de melhor actriz principal e duas para o de melhor actriz secundária, num total de 14 nomeações que foram apenas igualadas por "Titanic" em 1997. Mistura uma pitada de novela mexicana de upper class - mas com diálogos afiados e muito bem escritos - com mais uma variação do tema da criatura que supera o seu criador – aliás a cara de acidente e fuga de Bette Davis remete imediatamente para Frankenstein, embora seja mais arrepiante - quem nunca a viu em "What Ever Happened to Baby Jane" que atire a primeira pedra.
Para a história fica um pequeno papel secundário de uma loira de inteligência limitada que tenta usar os seus encantos naturais para conseguir um lugar ao sol no mundo do Teatro. Chamava-se Marylin Monroe.

All About Eve, E.U.A., 1950. Realização: Joseph L. Mankiewicz. Com: Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders .

O Castor

2011-06-24T12:05:00.002+01:00

Um homem, dono de uma companhia de brinquedos, casado e pai de dois filhos, está com uma depressão profunda, e resolve começar a comunicar exclusivamente através de um castor de peluche, que não larga.

Assim à partida é de temer o pior de um argumento destes, mas a coisa é levada a bom porto por dois motivos. O primeiro é o savoir faire da realizadora Jodie Foster, que encena com sobriedade esta história e ainda resolve bem os subplots, mais ou menos desenvolvidos (o filho pequeno com dificuldades de relacionamento; o mais velho que é um pequeno génio à deriva e se envolve com a rapariga mais gira - mas também mais complicada - do liceu). O segundo motivo chama-se Mel Gibson, que tem aqui um verdadeiro papelaço e dá credibilidade e dignidade a uma personagem quase impossível (uma pessoa arrepia-se só de pensar no que um Tom Hanks, digamos, faria com um papel destes).

Temos assim um actor em estado de graça, um tema dificílimo (a depressão) tratado da maneira menos óbvia mas com uma sensibilidade à prova de qualquer ridículo, e uma actriz que se torna uma senhora realizadora. Em suma, um filme que tem tudo para se tornar um pequeno clássico.

The Beaver, E.U.A., 2011. Realização: Jodie Foster. Com: Mel Gibson, Jodie Foster, Anton Yelchin, Jennifer Lawrence, Cherry Jones.

Matar para viver

2011-06-22T18:45:00.001+01:00

Num ano cinematográfico muito fraquinho até à data, estreia amanhã um dos raros filmes que vale a pena ver.

Pedro Hestnes (1962 - 2011)

2011-06-20T20:57:00.001+01:00

Penso no rapaz do Agosto de Jorge Silva Melo, um rapaz português de outra década mas inteiramente da nossa, das nossas, adolescente, atrevido, ingénuo, terno, perverso, um cão batido de quem eu gostei como de nenhum outro dos nossos actores

100 filmes para acabar de ver filmes (99)

2011-06-14T22:16:00.005+01:00

Largar o vício do cinema mas sem ressaca, com a ajuda do especialista do Duelo ao Sol que patrocina amavelmente esta reabilitação, e que corre o risco mais do que certo de uma quebra do rigor e da qualidade habitual deste blog, é o que esta série de críticas a 100 filmes se propõe. 100 filmes que não são os filmes da vida, principalmente porque ainda não os vi, mas como o livro "Como falar dos filmes que não viu" ainda não foi escrito, vou ter que os espreitar antes de voltar a ser a pessoa normal que aplaudiu de pé no cine-teatro da Régua a cena do Rocky IV, em que Sylvester Stallone enfia duas galhetas no Russo. Começo com um filme que passou no crivo apertado do critério: "Vai-se lá saber porquê que seleccionei isto":

"Era uma Vez um Rapaz", é um romance de sucesso de Nick Hornby (o mesmo que escreveu Alta Fidelidade, Uma outra educação, 31 Canções - que comprei numa feira do livro por 2 euros e que descreve canções que o marcaram, mas que nunca li porque para ficarem com uma ideia, tem lá músicas como "Samba Pa Ti" do Santana, "Mamma you been On My Mind" do Rod Stewart ou "I'm Like a Bird" da Nelly Furtado, está certo que também tem lá músicas do Bob Dylan ou do Rufus Wainwright e é por isso que ainda o guardo na estante para impressionar alguma neo hippie jeitosa que um dia destes aterre aqui em casa. Também escreveu um outro livro sobre os jogos do Arsenal a que assistia com o pai - este deve ser bom.

O filme é com Hugh Grant a fazer mais uma vez o papel de Hugh Grant: olhos tristes, egocêntricoo, imaturo e desligado, que se cruza com um miúdo, filho desajustado de uma neo hippie jeitosa (Tony Collette - aí está a razão pela qual convém ter o 31 Canções na estante). O miúdo vítima de bullying e da mãe carinhosa mas destrambelhada encontra no personagem de Hugh Grant uma figura paternal desajeitada mas com um bom coração lá no fundo (bem lá no fundo). O personagem de Hugh Grant encontra no miúdo um meio para se fazer passar por pai solteiro e conhecer mães solteiras que ainda joguem com o baralho completo (para desgosto do miúdo). No final, o personagem de Hugh Grant é libertado de uma vida vazia, de ócio, prazer e sexo furtuito para se entregar a uma vida de compromisso, partilha e consciência social. Este twist final desloca o filme da prateleira das comédias competentes com happy endings e coloca-o ao nível do Shining.

About A Boy, U.K., 2002. Realização: Chris Weitz, Paul Weitz. Com: Hugh Grant, Nicholas Hoult, Toni Collette.

100 filmes para acabar de ver filmes

2011-06-14T11:29:00.000+01:00

É a nova rubrica de Allen Douglas, que assim regressa ao Duelo depois de uma ausência de uns anitos. Começa já hoje.

Pauline Kael

2011-06-13T17:55:00.002+01:00

Pauline Kael - Reviews A-Z: AQUI.

A árvore da vida

2011-06-07T01:03:00.003+01:00

O início de 'A árvore da vida' pareceu-me um '2001' de 2ª categoria. Depois, bom, depois pareceu-me que o filme não tinha personagens de carne e osso. E nem é só Sean Penn , que de facto não existe, são todas as outras, pouco mais que lugares comuns: o pai autoritário que persegue e falha o sonho americano (Brad Pitt sempre com ar de pacóvio), o filho revoltado (e o miúdo é fantástico), a mãe aluada (a muito bela Jessica Chastain). E não é a insistência em pôr banalidades a serem - sempre - sussurradas, com música clássica em fundo, e sobre grandes planos, que dá profundidade à coisa.

'A árvore da vida' pareceu-me alternadamente fastidioso, pedante e irritante. E a parte final, estilo New Age, a que só faltam as pan pipes, pareceu-me mesmo pavorosa (Aronofsky foi crucificado por menos aquando de 'The Fountain', mas Malick tem outro estatuto perante a generalidade da crítica). Definitivamente, este cinema não é para mim.

The Tree of Life, E.U.A., 2011. Realização: Terence Malick. Com: Brad Pitt, Jessica Chastain, Sean Penn, Dalip Singh, Joanna Going, Tye Sheridan.

Os filmes de Cannes

2011-06-02T23:17:00.003+01:00

A árvore da vida já está aí, mas há mais:

Gamin au Vélo, dos irmãos Dardenne e Once Upon a Time in Anatolia, de Nuri Bilge Ceylan (Grande Prémio do Juri ex-aequo), Melancholia, de Lars Von Trier ( prémio de Melhor Actriz para Kirsten Dunst), Elena, de Andrei Zvyagintsev (Prémio Especial do Júri Un Certain Regard ), L’Apollonide: souvenirs de la maison close, de Bertrand Bonello e Pater, realizado por Alain Cavalier têm estreia assegurada através da Clap Filmes.

Habemus Papam de Nanni Moretti, Poliss, de Maïwenn (Prémio do Júri) e Le Havre, de Aki Kaurismäki, (Prémio Fipresci – Prémio da Crítica Internacional) estrearão através da Midas Filmes.

Faço figas para que estreiem também Drive de Nicolas Winding Refn (Prémio de melhor realização) e, claro, o último Woody.

81

2011-05-31T11:23:00.000+01:00

Alucinação

2011-05-24T00:06:00.000+01:00

'Kaboom' é uma espécie de mistura entre 'Shortbus' (há bastante sexo, homo e heterossexual), 'Donnie Darko' (profecias de fim de mundo, visões) e 'Scream' (adolescentes, mascarados), embrulhada num argumento inverosímil sobre seitas e o holocausto nuclear, com piscadelas de olho várias (há uma Lorelei, mas também umas misteriosas gémeas Rebecca e Madeleine...Novak), e em que a fronteira entre sonho e realidade está sempre esbatida (o tradutor português resolveu mesmo chamar ao filme 'Alucinação'!) .

'Kaboom' ora é terno, ora é angustiante, ora é intrigante, ora é desconexo, mas Gregg Araki (realizador do muito bom Mysterious Skin) nunca o deixa descambar e mantém sempre um reconfortante ar de 'ovni indie', para o que também contribuem a bela banda sonora (que inclui o habitual colaborador Robin 'Cocteau Twins' Guthrie) e a simpática duração de 86 minutos.

Kaboom, França, 2010. Realização: Gregg Araki. Com: Thomas Dekker, Haley Bennett, Chris Zylka, Roxane Mesquida, Juno Temple, Andy Fischer-Price, Kelly Lynch

Cannes 2011

2011-05-22T21:33:00.001+01:00

Malick ganhou, mas os filmes que eu mais quero ver são estes.

Romance arriscado

2011-05-20T18:29:00.001+01:00

É possível gostar (muito) de um filme meramente por razões pessoais? É. E mais não digo, que este não é um blog diarístico.

[1,99€ com o Público de hoje]

Provocador? Não, apenas imbecil...

2011-05-18T18:34:00.001+01:00

Além de ser autor de algumas das maiores bostas da história do cinema - de 'Dancer in The Dark' a 'Anticristo' - o homem é ainda um verdadeiro imbecil.

Pina

2011-05-16T10:38:00.002+01:00

"Teria abandonado tudo o que estivesse a fazer para fazer este filme. Era algo que eu queria mais do que qualquer outro projecto desde meados dos anos 80. Mas não sabia como. Havia algo de tão mágico no trabalho de Pina que eu sabia que as câmaras não seriam capazes de o capturar. Havia algo que acontecia em cada representação... algo que sentíamos no nosso próprio corpo e que dificilmente se podia traduzir em filme. Eu não podia dizer que iria filmá-la melhor do que qualquer normalíssimo registo filmado de uma peça. Não era suficiente".

Wim Wenders assume nesta entrevista ao ipsilon que queria fazer mais do que um"registo filmado" das peças de Pina Bausch, mas não sabia como. Até que achou que a solução estava nas novas tecnologias 3D e foi para a fente, apesar de Pina ter falecido em 2009.

Filmou então (quer em palco, quer em ruas ou jardins) 4 peças escolhidas pela coreógrafa, "Café Müller" (1978), "Vollmond" (2006), "Kontakthof" (1978) e "Le Sacre du Printemps" (1975) e acrescentou pouco mais: "aguns dos bailarinos dizem coisas e partilham algumas memórias, mas", segundo Wenders, "podemos ver o filme sem elas": "Não trazem explicação, apenas textura".

Conseguiu Wenders mais do que o tal "registo filmado" das peças? Eu acho que nem por isso. Mas acho que vale a pena ver o filme na mesma. Na impossibilidade de assistir ao vivo a uma peça do Tanztheater, isto é o mais perto possível que podemos estar dessa experiência, e há momentos de grande intensidade - e, acrescente-se, é um dos raros filmes em que o 3D é efectivamente uma mais valia. Não me parece que seja um grande filme (compare-se com o filme de Wiseman sobre o Ballet de l'Ópera de Paris e veja-se como se pode ir mais longe), mas é uma maneira honesta e delicada para descobrir ou rever o trabalho de Pina Bausch.

Pina, Alemanha/França/Grã-Bretanha, 2011. Realização: Wim Wenders. Documentário.

A Cidade dos mortos

2011-05-09T16:50:00.001+01:00

A ‘Cidade dos mortos’ é o conjunto de cemitérios do Cairo, que ocupam qualquer coisa como um quarto desta gigantesca metrópole. Mas o que verdadeiramente os distingue é que são também cidades dos vivos: aí vivem milhares e milhares de pessoas. Quer nos próprios túmulos (os túmulos muçulmanos têm geralmente uma sala para os familiares irem orar, e as pessoas foram-nas ocupando ou alugando para viver…), quer no que se foi construindo à volta deles. E as pessoas fazem lá a sua vida: convivendo com os funerais há mercados, há casamentos (um deles ocupa exclusivamente a curta 'Waiting for Paradise' que se segue ao filme), há rapazes a enviar piropos às raparigas, há crianças a jogar futebol, etc., etc., etc.

O maior mérito de Sérgio Trefaut está precisamente na ideia que originou o filme: dar-nos a conhecer este mundo insólito e certamente desconhecido para a maioria dos espectadores ocidentais. Quanto à sua concretização a mim pareceu-me sempre que lhe faltava qualquer coisa. Trefaut é um bom realizador e não nos dá uma reportagem televisiva, mas também não consegue escapar completamente ao estereótipo deste tipo de documentários, mesmo tendo o engenho de entregar a voz off a um coveiro local em vez de ter o habitual narrador ‘neutro’. Faltou-lhe um pouco de imaginação na montagem, talvez.

Seja como for, vale a pena ver, nem que seja para verificarmos, uma vez mais - mas sempre com algum espanto - que o ser humano se adapta rigorosamente a tudo.

(PS.: No genérico final, aquando da indicação dos financiamentos, listados por países, surge depois de Portugal (RTP, etc) e da Espanha (Junta da Andaluzia, salvo erro)… a Finlândia, o que provou uma gargalhada bem disposta de parte da sala!)

A Cidade dos mortos+Waiting for Paradise, Portugal/Espanha/Egipto, 2009. Realização: Sérgio Trefaut. Documentário.

Bola preta para a CdM

2011-05-04T17:41:00.002+01:00

Estava curioso em saber como seria a "projecção de dois filmes [Wild Blue Yonder" e "The White Diamond"], acompanhados ao vivo por um ensemble que une sonoridades do mundo". Filmes mudos com banda sonora ao vivo é normal (embora geralmente estas sejam totalmente desadequadas, mas isso é outra história), agora filmes sonoros...

Mas dado que se tratava de dois filmes de Herzog, ainda por cima (pelo que pude averiguar) de dois dos seus filmes 'insólitos', achei que a coisa não seria impossível. Longas sequências de 'Fata Morgana' , por exemplo, são acompanhadas por canções (de Leonard Cohen, entre outros) completas ou quase, e totalmente descontextualizadas.

Mas o que se passou na Casa da Música foi isto: um (muito bom) concerto de Ernst Reijseger, Mola Sylla e o grupo vocal da Sardenha Cuncordu e Tenore de Orosei acompanhado por meia dúzia de sequências (se tanto), aqui e ali, dos ditos filmes. Ou seja, rigorosamente nada do que estava anunciado. Quem foi pelos filmes, foi completamente em vão. Acho incrível a Casa da Música promover de forma tão desplicente e enganadora um espectáculo.

Requiem For a Dying Planet

2011-04-29T10:39:00.001+01:00

Evolução de um projecto que reuniu o violoncelista holandês Ernst Reijseger e o cineasta alemão Werner Herzog, Requiem for a Dying Planet compreende a projecção de dois filmes acompanhados ao vivo por um ensemble que une sonoridades do mundo: Reijseger, a senegalesa Mola Sylla (voz, percussões, calimba e xalam) e o grupo vocal da Sardenha Cuncordu e Tenore de Orosei. Quando, em 2004, Werner Herzog procurava alguém que criasse uma banda sonora muito pessoal para dois filmes, "The Wild Blue Yonder" e "The White Diamond", foi-lhe indicado Reijseger. Começava uma parceria que respondeu ao desejo de Herzog: "Usar a imagem e o som de uma forma nunca antes experimentada".

A união inusitada de sons do Norte e do Sul, do jazz de vanguarda e de raízes musicais profundas e ancestrais, dilui-se num cinema que exige singularidade: "The Wild Blue Yonder" é uma obra de ficção científica sobre um planeta excepcional e "The White Diamond" um documentário sobre o engenheiro aeronáutico Graham Dorrington no Guiana.

Domingo, 1 de Maio, às 19h na Casa da Música.

Caminhar no gelo

2011-04-28T17:42:00.002+01:00

"No final de Novembro de 1974, um amigo ligou-me de Paris a dizer-me que Lotte Eisner estava gravemente doente e que provavelmente morreria. Eu disse que não podia ser, não agora, o cinema alemão ainda não a podia dispensar, não podíamos permitir que ela morresse. Peguei num casaco, numa bússola e num saco de desporto contendo o estritamente necessário. As minhas botas eram novas e robustas, confiava nelas. Segui pelo caminho mais directo até Paris, com a firme convicção de que ela viveria se eu fosse ter com ela a pé."

(a chegar às livrarias, descoberto via)

Marie France Pisier (1944-2011)

2011-04-26T12:44:00.002+01:00

De cima para baixo: Marie-France Pisier como Collete em 'Antoine e Collete' (1962), Beijos Roubados (1968) e 'Amor em fuga' (1979, o filme que fecha o 'ciclo Doinel' ), sempre acompanhada por Jean-Pierre Léaud.

London Boulevard - Crime e Redenção

2011-04-26T11:00:00.001+01:00

Apeteceu-me ver este filme por causa dos actores: Colin Farrell (sempre o achei um grande actor), Keira Knightley (ver posta abaixo) e David Thewlis ('Naked').

Infelizmente a coisa não passa de um amontoado de lugares comuns, misturando sem originalidade uma trama de gangsters numa Londres de Guy Ritchie com um enredo, se possível ainda mais dejá vu, do fascinante género 'celebridade acossada pelos papparazzi', tendo Keira Knightley (que pouco aparece) e David Thewlis (que se safa com dignidade) pouco mais do que estereótipos para defender.

A Farrell é dada uma personagem com mais substância e ele mostra que é homem para aguentar um filme sózinho. Mas quando um realizador não está ao nível do seu director de casting não há nada a fazer.

London Boulevard, E.U.A./Grã-Bretanha, 2010. Realização: William Monahan. Com: Colin Farrell, Keira Knightley, Ray Winstone, David Thewlis, Anna Friel, Ben Chaplin, Eddie Marsan, Stephen Graham.

A Última noite

2011-04-24T21:13:00.000+01:00

Joanna suspeita que Michael tem um affair com uma nova colega (ou que pelo menos está interessado nela) e talvez por isso se mostre mais disponível quando Alex, um antigo 'caso', aparece em Nova Iorque, numa altura em que Michael está fora em trabalho (com Laura, a tal colega).

Joanna e Michael são jovens, bem-parecidos, vivem num elegante apartamento, e talvez só um certo tédio perturbe o seu casamento de 3 anos. Tivessem mais sentido de humor e fossem um pouco mais intelectuais e poderiam ter saído de um filme de Woody Allen.

‘A última noite’ aborda dois flirts de uma noite: de Joanna (Keira Knightley) com Alex (Guillaume Canet ) e de Michael (Sam Worthington) com Laura (Eva Mendes), em montagem alternada. O primeiro tem direito a mais tempo e ainda bem: Keira Knightley, não obstante um certo ar plebeu, pode ser incrivelmente bonita, Guillaume Canet dá o inevitável toque de charme francês e Griffin Dunne (lembram-se dele em ‘Nova Iorque fora de horas’?) apimenta um pouco a coisa. Não há aqui nada de novo, mas há elegância, classe, até amor. Já no outro episódio não há nada disto: Sam Worthington tem o carisma de um tijolo, Eva Mendes está estranhamente desenxabida e realmente não se passa nada de interessante. (dúvida: seria mesmo intenção da realizadora dar este ar desconsolado à coisa?)

No final fica um filme mediano, levemente bocejante até, mas de que retemos algumas belas imagens de Keira Knightley. Confesso que nunca me tinha parecido tão interessante como aqui.

Last Night, E.U.A./França, 2010. Realização: Massy Tadjedin. Com: Keira Knightley, Sam Worthington, Eva Mendes, Guillaume Canet, Griffin Dunne, Anson Mount, Stephanie Romanov.

Sidney Lumet (1924-2011)

2011-04-11T10:39:00.001+01:00

Essential Killing

2011-04-06T23:52:00.004+01:00

Um barbudo (Vincent Gallo) é apanhado pelo exército americano num qualquer deserto (Afeganistão?), após ter assassinado 3 soldados, e é levado como prisioneiro de guerra para um país da Europa de leste (daqueles que fecham os olhos aos direitos humanos). Devido a um acaso consegue fugir e o filme é isso: a fuga de um homem por uma paisagem cheia de neve, impiedosa, inóspita, quase desabitada (Gallo encontra mais cães e outros animais que seres humanos). Além do frio e do exército que o persegue, o fugitivo, permanentemente acossado, tem que lutar contra a fome e contra quem se lhe atravessa, não hesitando em ir deixando um rasto de sangue pelo caminho.

Não obstante a premissa politica, ‘Essential Killing’ é muito mais um filme de ‘ambiente’, até de suspense, do que de argumento. E muito menos de ‘diálogos’: Gallo não tem uma única fala durante todo o filme, o que não impediu que trouxesse o prémio para o melhor actor do Festival de Veneza do ano passado. E Skolimowski trouxe o prémio especial do júri (presidido por Tarantino) para este filme minimal, mas impressivo e visualmente marcante.

A imagem de Gallo avançando penosamente por uma natureza gelada e hostil fica como uma das mais fortes do ano. Assim o filme estreie por cá.

Essential Killing, Polónia, Noruega, Irlanda, Hungria, 2010. Realização: Jerzy Skolimowski. Com: Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, Klaudia Kaca.

Farley Granger (01/07-1925-27/03/2011)

2011-03-30T10:49:00.002+01:00

De cima para baixo: ' O desconhecido do Norte Expresso' (Hitchcock, 1951), 'A corda' (Hitchcock, 1948), 'Filhos da noite' (Nick Ray, 1949), 'Sentimento', (Visconti , 1954).

Elizabeth Taylor (27/02/1932-23/03/2011)

2011-03-23T16:54:00.000Z

Morreu Elisabeth Taylor.

Os agentes do destino

2011-03-15T11:45:00.001Z

Philip K.Dick morreu em Março de 1982, três meses antes de estrear 'Blade Runner', como é sabido adaptado ao grande ecrã por Riddley Scott a partir do seu romance 'Do Androids Dream of Electric Sheep?', e que abriu em grande estilo as portas de Hollywood para a sua obra.

'Total Recall' (Paul Verhoeven, 1990) e 'Minority Report' (Steven Spielberg, 2002) são outras boas adaptações da sua obra - e ter três obras bem tratadas por Hollywood é obra! 'Os agentes do destino' tem em comum com estes dois filmes ser baseado num conto de K.Dick (adapta livremente 'Adjustment Team'), mas infelizmente aqui não saímos do convencional.

George Nolfi (o argumentista de 'The Bourne Ultimatum' e de 'Ocean's Twelve', que se estreia aqui na realização) hesita entre o thriller (algures entre 'Bourne', 'Matrix' e 'Inception') e a história de amor ,e falha em ambos. Ao primeiro falta ritmo, ao segundo química entre Matt Damon e Emily Blunt. Eu gosto de Matt Damon, um improvável mas óptimo actor de filmes de acção, mas nunca se me encaixou como amante desesperado. E como eu sempre que penso em amantes desesperados penso em 'Two Lovers', pus-me logo a imaginar como seria este filme com Joaquin Phoenix no seu lugar... Quanto a Emily Blunt tem a vantagem de não ter uma beleza formatada, mas sinceramente não podia fazer muito mais com o que lhe deram. E que mulher será capaz de se apaixonar perdidamente por Matt Damon?

No final fica ainda assim a história de K.Dick, sobre a luta de Damon contra os tais 'agentes do destino', uma espécie de 'anjos', que vão dando uns empurrões de quando em vez para que as vidas dos homens não fujam ao programado por uma entidade superior, que não chegamos a conhecer, mas a quem os ditos anjos preferem tratar por Chairman em vez de Deus....

O talento de Philip K.Dick merecia um realizador mais arrojado.

The Adjustment Bureau, E.U.A., 2011. Realização: George Nolfi. Com: Matt Damon, Emily Blunt, Anthony Mackie, Shohreh Aghdashloo, John Slattery, Michael Kelly.

Um Plano

2011-03-14T10:38:00.001Z

Quando recebi o amável convite do Cine Resort para escolher um plano, pensei logo neste (de ‘O homem que matou Liberty Valance’, John Ford, 1962): John Wayne na soleira da porta, a olhar para Vera Miles e James Stewart; ela chora e acaricia este último, aliviada por ele ter sobrevivido ao confronto com Liberty Valance. E Wayne mentaliza-se aí, definitivamente, que perdeu para sempre a mulher que ama. (...)

(continuo aqui)

Os 2 da (Nova) Vaga

2011-03-11T14:32:00.006Z

François Truffaut é oriundo da classe baixa parisiense, nunca conheceu o pai e é ignorado pela mãe. Foi um adolescente problemático, chegou a estar preso, e pode-se dizer que o cinema (viu milhares de filmes na adolescência) salvou a sua vida, dando-lhe um propósito. Jean-Luc Godard, pelo contrário, descende de uma família suíça de industriais e banqueiros, com ligação à cultura (o seu avô foi amigo de Paul Valéry) e era uma amante de carros rápidos. Mas também o cinema teria um papel crucial na sua formação, e o gosto comum com Truffaut (Renoir, Hitchcock, Rossellini ...) faria com que se tornassem amigos nos Cahiers.

A primeira hora de 'Os dois da Nova Vaga' relata os primeiros tempos destes dois críticos e cineastas, a sua amizade, a sua admiração mutua, a sua colaboração, os seus sucessos iniciais ('Os 400 golpes' e 'O acossado'), não trazendo nada de especialmente novo. Já a última meia hora me pareceu bastante mais interessante. Aí relata-se o inevitavel afastamento dos dois cineastas, a partir do Maio de 68 (que, como aqui se diz, foi antecipado em 3 meses pelos protestos da geração dos Cahiers contra o afastamento de Langlois da Cinématheque por André Malraux, o então ministro da cultura do general De Gaulle - Malraux, acrescente-se, que tinha defendido 'Os 400 golpes' como representante da França em Cannes, onde viria a ganhar a Palma de Ouro).

Há então como que uma ruptura no cinema francês. Godard opta pela via radical (o seu período 'revolucionário'), enquanto Truffaut se mantém fiel à arte 'pela beleza, pelas pessoas, pelo consolo'. Quando Godard lhe escreve manifestando a sua repulsa por 'A noite Americana', Truffaut responde-lhe furiosamente lembrando Matisse, que atravessou olimpicamente 3 guerras, enquanto pintava os seus peixes e as suas paisagens, jamais os seus quadros reflectindo os horrores à sua volta. Nunca mais os dois cineastas falariam um com o outro.

Não é por acaso, digo eu, que em a 'Noite Americana', Alphonse, interpretado por Jean-Pierre Léaud (apresentado neste filme como o símbolo da dicotomia Trufaut - o seu 'pai '/Godard - o cineasta que lhe deu os papeis onde podia escapar da personagem Doinel) advoga que os filmes 'são mais harmoniosos do que a vida': era essa a visão de Truffaut (e, abro parêntesis, a minha. Não por acaso sempre preferi Trufaut - principalmente o do 'ciclo Doinel' -ao hiper-cerebral e ideológico Godard).

Resumindo, o realizador Emmanuel Laurent e o argumentista Antoine de Baecque (autor de uma recente biografia de Godard) não trazem aqui propriamente nada de novo, mas dão-nos um bom resumo da matéria, bem documentado com arquivos da época, permitindo-nos conhecer um pouco melhor dois dos mais importantes críticos e cineastas da história do cinema. Um filme indispensável, portanto, para qualquer cinéfilo que se preze.

Deux de la Vague, França, 2010. Realização: Emmanuel Laurent. Documentário.

Two Eyes Staring

2011-03-07T18:23:00.004Z

Na sinopse fornecida pelo site do Fantasporto, fala-se de Hitchcock e David Lynch a propósito deste filme holandês, vencedor do ‘Grande Prémio da 31ª edição do Festival Internacional de Cinema do Porto’ e também do ‘Prémio de Melhor Argumento’. Não imagino porquê.

‘Two Eyes Staring’ é um filme não incompetente mas banal, sobre uma miúda que “vê” um fantasma, supostamente uma irmã gémea da sua mãe, que esta assassinara em criança. O filme encaixa-se no subgénero ‘sobrenatural’, departamento ‘com crianças’, e poder-nos-á fazer lembrar, quanto muito, clássicos como 'The Innocents' de Jack Clayton (que vi à venda na 'banca' do Fantas), mas jamais atingindo o seu nível.

Falta quer ao argumento (incompreensível o prémio que arrebatou) quer à realização de Elbert van Strien (muito à base de abusar da banda sonora para ‘assustar’ o espectador) um mínimo de originalidade, parecendo-nos assistir a um condensado de vários filmes do género. Mesmo o aspecto mais interessante do argumento – a ambígua relação mãe-filha, em que a primeira chega a negar a existência da segunda numa entrevista de emprego – não é suficientemente explorado, sendo que a personagem da mãe (a muito boa Hadewych Minis) é estranhamente desleixada pelo realizador durante longos períodos.

Este ano não tive oportunidade de assistir a muitos mais filmes no Fantas, mas é difícil acreditar que não havia melhor obra para premiar…

Zwart Water, Holanda, 2010. Realização: Elbert van Strien. Com: Hadewych Minis, Barry Atsma, Isabelle Stokkel.

Rabbit Hole

2011-03-03T11:48:00.001Z

Passaram 8 meses desde que Becca e Howie perderam o filho de 4 anos, atropelado, e ainda não conseguem lidar com o facto. Ele persiste em ver vídeos do filho no telemóvel, quer permanecer numa associação de apoio, quer tentar outro filho. Ela tem mais dificuldade em exteriorizar a dor e está como que bloqueada. Escusado será dizer que o casamento não vai bem.

John Cameron Michell, agora num registo ('formal', que não temático) totalmente antagónico de Shortbus, filma com sensibilidade e talento esta história, excelentemente adaptada por David Lindsay-Abaire da sua peça vencedora de um Pulitzer, e luminosamente fotografada por Frank G. Demarco. Mas o que verdadeiramente eleva o filme é a magnífica interpretação de Nicole Kidman, a mãe severamente magoada por uma perda irreparável e inexprimivel, mas que ainda assim vai mantendo o sentido de humor e a força, e nos transmite uma personalidade dorida mas cativante.

Kidman, à beira dos 44 anos, continua belíssima, e não obstante ter perdido o Óscar para a inevitável Natalie Portman, mostra uma vez mais porque é uma das grandes actrizes da sua geração. Eis um filme que valia a pena estrear por cá.

Rabbit Hole, E.U.A., 2010. Realização:John Cameron Mitchell. Com: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Tammy Blanchard, Sandra Oh, Sandra Oh, Miles Teller.

Somewhere - Algures

2011-03-02T11:48:00.000Z

Johnny é uma estrela de filmes de acção. Acabou as filmagens de mais um filme, tem um braço facturado, e na verdade não tem muito para fazer. Vai-se deixando estar pelo seu quarto no célebre hotel 'Chateau Marmont', onde se entretém a ver duas gémeas pole dancers, vai flirtando com mulheres que se atiram a ele, vai sonolentamente a um ou outro compromisso profissional, e ao fim de semana recebe a doce filha de 11 anos, a única altura em que ainda lhe vemos um raio de ternura, de vida.

A sequência inicial de ‘Somewhere’ (o Ferrari preto de Johnny às voltas) fez-me lembrar ‘Brown Bunny’. A partir daí tudo me fez lembrar…’Lost in Translation’. A personagem principal que é um actor, tão ou mais 'lost' que Bill Murray, e que por momentos também se encontra ‘lost in translation’, aqui em Itália (e a TV local é devidamente gozada numa cena quase idêntica à da TV em Tóquio), as roupitas cor de rosa das performers, a rimarem com as calcinhas cor de rosa de Scarlett Johansson, etc., etc.

Pode-se dizer que Sofia fez mais do mesmo, que este filme não acrescenta nada à sua obra, que é uma variação em tom menor do neste género insuperável ‘Lost in Translation’. É verdade. Mas quem diz que ela não arriscou, basta pensar no pastelão que este ano limpou os principais Óscares, e em quanto este filme minimal e lacónico está nos antípodas da ‘história bem contada’ oscarizavel ou das ‘sequelas-remakes-a 3D-com efeitos-digitais-de-última-tecnologia’ que 'vencem' nas bilheteiras.

Eu acho que enquanto vierem somewheres de Hollywood nem tudo está perdido.

Somewhere, E.U.A., 2011. Realização: Sofia Coppola. Com: Stephen Dorff, Elle Fanning, Chris Pontius, Michelle Monaghan, Lala Sloatman.

Tóquio!

2011-02-21T11:00:00.000Z

M.Merde!

Parece que os filmes em segmentos voltaram a estar na moda, nomeadamente os que levam uma cidade por título e pretexto.

'Tóquio!' é sem dúvida um dos mais interessantes, desde logo por ter 3 segmentos muito equilibrados, não havendo qualquer elo fraco.

Começamos com o de Michel Gondry, baseado numa graphic novel de Gabrielle Bell, que começa em tons realistas (um jovem casal procura casa e emprego em Tóquio) e acaba em tons surreais. Muito interessante.

A seguir entra Leos Carax, que não deixa os seus créditos por mãos alheias e nos dá o episódio mais bizarro do trio: um lunático que fala uma linguagem esquisita, emerge dos esgotos para aterrorizar a população de Tóquio. O seu nome é, nem mais nem menos que Merde, e diz que obedece ao seu Deus, que o envia para os países que mais detesta. No final é-nos prometida uma sequela em Nova Iorque ("Merde in USA")...

Para o final fica o melhor segmento deste filme em crescendo. É realizado pelo coreano Joon-ho Bong (o realizador de 'The Host/A criatura') e o seu protagonista é um hikikomori, termo que se refere uma daquelas especificidades japonesas, neste caso a pessoas que se recusam a sair de casa e se isolam totalmente da sociedade. É todo um retrato do Japão que nos é dado através de um melancólico homem que se aventura a sair de casa pela primeira vez em 10 anos, depois de se ter apaixonado por uma entregadora de pizza que desmaia à porta de sua casa aquando de um terramoto...

No final, ficamos surpreendidos com dois aspectos raros neste tipo de filmes: a curiosa unidade formal dos três segmentos, e o papel efectivo que o 'elemento Japonês' tem em todos eles, não se limitando nenhum a tomar Tóquio como mera paisagem.

(publicado originalmente em 01.01.2010)

Tokyo!, França, Japão, Alemanha, Coreia do Sul, 2008. Realização: Michel Gondry ('Interior Design'), Leos Carax ('Merde'), Joon-ho-Bong ('Shaking Tokyo').

Despojos de Inverno

2011-02-18T21:38:00.001Z

Um mergulho na América profunda tão cru e realista quanto é possível a um filme de Hollywood. E Jennifer Lawrence, não obstante ser improvavelmente bonita para uma redneck, saca um papelaço.

Winter's Bone, E.U.A., 2010. Realização: Debra Granik. Com: Jennifer Lawrence, Isaiah Stone, Ashlee Thompson, John Hawkes.

Indomável

2011-02-17T11:09:00.002Z

‘True Grit’ balança entre dois universos: um grave, violento, com ressonâncias do antigo testamento; e um paródico, ridículo, divertido.

Os Coen já mostraram que têm unhas para ambos (veja-se de um lado ‘Este país não é para velhos’ e do outro todas as suas comédias), mas aqui inclinam-se mais para o segundo.

‘True Grit’ é muito divertido (e bem filmado e bem interpretado e etc.) e brinca com classe com toda a tradição do Western, mas falta-lhe alguma gravidade: sentimos a determinação obstinada e infantil de Mattie (Hailee Steinfeld), mas nem tanto a sua moralidade implacável; rimo-nos amiúde com a descontracção de Rooster (o grande Jeff Bridges, que eclipsa completamente Matt Damon), mas não sentimos totalmente a sua violência sanguinolenta.

E assim, em vez de uma obra-prima como 'Este país...', temos apenas um (muito) bom filme.

True Grit, E.U.A., 2010. Realização: Joel e Ethan Coen. Com: Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, Ed Corbin, Paul Rae

Vincent

2011-02-16T11:27:00.002Z

O 'Bafta' mais bem entregue

2011-02-15T11:36:00.000Z

(...)

O discurso do Rei

2011-02-14T10:00:00.000Z

O Dr.Freud só se exilou em Londres em 1938, por isso o futuro Rei Eduardo VI, possuidor de traumas vários, cujo sintoma mais embaraçoso era a gaguez, teve que recorrer aos serviços de um terapeuta da fala australiano, Lionel Logue, que nem médico era, para lhe servir de confidente e psicanalista. 'Lionel' trata o snobe monarca por 'Bertie' e, após o devido choque e reticências iniciais deste, obviamente cura-o, e nasce uma grande amizade, e blá, blá, blá.

'O discurso do rei' é, garantidamente, o filme mais aborrecido e previsível que vi em anos. E previsivelmente vai proporcionar um Oscar a Colin Firth por emular um gago na perfeição, engordando ainda mais o rol de galardoados por papeis de deficientes. E uma vez que se segundo dizem os entendidos, está também na linha da frente para levar a estatueta de "melhor filme", está encontrado o 'Rain Man' deste ano.

The King`s Speech, Grã-Bretanha/Austrália/E.U.A., 2010. Realização: Tom Hooper. Com: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Guy Pearce, Jennifer Ehle, Eve Best, Derek Jacobi, Timothy Spall, Anthony Andrews, Claire Bloom.

TOY STORY 3 é o filme do ano para a Liga dos Blogues Cinematográficos

2011-02-10T22:14:00.000Z

Sendo um filme de que gostei, o meu voto foi no entanto para 'À prova de morte' de Tarantino (que só estreou o ano passado no Brasil, sendo por isso elegível), que ficou em segundo lugar ex aequo com 'Vencer' de Marco Bellochio. 'O laço branco' de Haneke e 'Bad Lieutenant' de Herzog (o meu segundo preferido) fecharam a classificação, por esta ordem. (AQUI)

Cisne Negro

2011-02-08T10:43:00.001Z

A bela, inocente, perfeccionista, mas frígida e reprimida Nina Sayers é a bailarina perfeita para encarnar o delicado Cisne Branco na nova versão de ‘O Lago dos Cisnes’, com que o ambicioso coreógrafo Thomas Leroy (Vicent Cassel) quer pôr o nome da sua companhia de novo na ribalta. Mas será ela a pessoa certa para interpretar o sedutor e perverso Cisne Negro?

Uma interpretação portentosa de Natalie Portman, a quem uma câmara à mão não larga, uma montagem cortante e uma banda sonora incansável, põem o espectador sob tensão permanente, assistindo com angustia e pavor a uma transformação como não se via desde ‘Carrie’.

Mais do que a obra-prima de Aronofsky, o ‘Cisne Negro’ é o grande filme de terror que o novo milénio tardava a dar-nos.

Black Swan, E.U.A., 2011. Realização: Darren Aronofsky. Com: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder.

Just how many days does Phil Connors spend trapped in the perpetual loop of GROUNDHOG DAY ?

2011-02-07T00:13:00.002Z

12403! A fantasticamente detalhada e fundamentada justificação aqui.

(descoberto via o imparável Buchinsky)

Noites Bravas

2011-02-04T17:32:00.001Z

A morte de Maria Schneider trouxe-me à memória 'Noites Bravas' ('Les Nuits Feuves'), filme realizado e interpretado por Cyril Collard, em 1992. Em 1993 Collard morreria de SIDA, depois de o filme ter gerado uma enorme polémica... pelo modo como o 'tema SIDA' era tratado.

Em 1993 era também lançado 'Filadélfia', realizado por um Jonathan Demme vindo do enorme sucesso 'O Silêncio dos inocentes', e a SIDA deixava de ser tabu em Hollywood e entrava, por assim dizer, no mainstream.

Na altura gostei muito de 'Noites Bravas', vi-o duas ou três vezes algures nos anos 90, e nunca mais o revi. Ao contrário de 'Filadélfia' (de que também gosto muito, e que muito por culpa da prestação de Denzel Washington entrou rapidamente no imaginário popular), parece-me ser um filme bastante esquecido hoje em dia.

Se o arranjar, será o filme que verei em homenagem a Maria Schneider.

Maria Schneider (27/3/1952-3/2/2011)

2011-02-03T16:13:00.000Z

Entrou em filmes como Profissão: Reporter de Antonioni (1973), Merry Go-Round de Rivette (1977), Voyage au jardin des morts de Philippe Garrel (1976) ou les Nuits fauves de Cyril Collard (1992), mas ficou para sempre ligada a um único papel.

Kazan

2011-02-02T15:13:00.000Z

O 27º livro da colecção "As Folhas da Cinemateca" acaba de sair. É dedicado à obra de Elia Kazan. Os textos são assinados por Joana Ascensão, João Bénard da Costa, Luís Miguel Oliveira e Manuel Cintra Ferreira. Como é norma da colecção, para além de textos sobre cada um dos filmes do realizador, o livro inclui uma biografia e uma filmografia, fichas técnicas completas, sinopses e fotografias.

Um ano mais

2011-02-01T11:10:00.002Z

Ao ver este novo filme de Mike Leigh lembrei-me de Woody Allen. Claro que os seus universos são praticamente opostos, mas ambos têm universos muito próprios e reconhecíveis. Uma pessoa vai ver um filme seu e sabe com o que conta. E - isso é que é importante - há um nível de qualidade que ambos são absolutamente incapazes de baixar.

Se esquecermos o detalhe, as semelhanças estão lá: a magnifica direcção de actores (Leigh sempre sem grandes estrelas - mais uma vez, aqui o elenco é perfeito); os argumentos (escritos pelos próprios, são ambos óptimos argumentistas) nunca menos que bons, à volta de temáticas recorrentes (a upper class e as partidas aleatórias do destino, no caso de Allen; a working class e os destinos desde cedo traçados, no caso de Leigh); a câmara próxima, discreta, sempre focada nos actores. E até o facto de nos surpreenderem quando já não se espera mais do que a tal qualidade média. De repente Allen dá-nos um magnífico 'Match Point' e Leigh sai-se com um estupendo 'Happy-Go-Lucky'; Allen rebusca o tom com 'Vicky Cristina Barcelona' e Leigh refina o olhar com 'Um dia de cada vez'.

Porque este é um filme magnífico. Tirando uma personagem (bastante) secundária que me pareceu forçada em demasia (Carl, o filho de Ronnie), tudo o resto me pareceu admirável. Leigh encontrou há muito aquele tom único que lhe permite retratar alguns dos solitários mais desesperados que o cinema nos deu (o Scott de 'Happy-Go-Lucky', a Mary deste filme, só para ficarmos pelos mais recentes) sem nunca perder o sentido de humor, e ao mesmo tempo mostrar-nos pessoas impossivelmente optimistas (a inesquecível Poppy do filme anterior) ou incuravelmente bem com a vida (Tom e Gerri deste filme) sem ser lamechas nem nos provocar um sorriso cínico. É, por assim dizer, um realismo ferozmente terno e afiado, ao mesmo tempo.

E eu gosto de realizadores que andam sempre a fazer o mesmo filme. Por isso Leigh, tal com Allen, é um realizador muito cá da casa.

Another Year, Grã-Bretanha, 2010. Realização: Mike Leigh. Com: Jim Broadbent, Lesley Manville, Ruth Sheen, Oliver Maltman, Peter Wight, David Bradley, Imelda Staunton.

E vão 5 sempre em grande

2011-01-27T00:44:00.000Z

(5 temporadas sem jamais baixar o nível é obra)

Hereafter — Outra Vida

2011-01-25T11:21:00.000Z

George Lonegan (Matt Damon) é um americano que tem um dom: consegue contactar com pessoas mortas. Não é um charlatão, entenda-se: consegue mesmo. Mas ele considera-o uma maldição, que o impede de ter uma vida normal. Marie LeLay (a belísssima Cécile de France) é uma famosa jornalista francesa, que tem um contacto com a morte ao ser apanhada num tsunami (extraordinariamente filmado, na sequência inicial do filme) e a partir daí começa-se a interessar pelo tema da 'vida depois da morte'; e Jason (George McLaren ) é um rapazinho inglês, saído directamente de um filme de Mike Leigh (ou de um livro de Dickens, o herói de Lonegan) que só deseja contactar com o seu gémeo que morreu e o deixou sozinho no mundo com uma mãe toxicodependente.

Desta matéria prima - que não obstante sair da pena de Peter Morgan tinha alto grau potencial de ser transformada numa daquelas xaropadas hollywoodianas de lágrima fácil - sai, nas mãos sensíveis, sóbrias e sábias (para nos ficarmos pela letra s) de Eastwood, um filme tocante e contemplativo, sobre o destino, sobre a solidão, sobre a incompreensão pelo diferente, sobre o que há para lá da vidinha.

Como já foi dito, Eastwood filma com o máximo realismo esta 'história metafísica', não tomando qualquer partido, não nos querendo impingir nada, jamais entrando em misticismos da treta, centrando-se isso sim, e como sempre, no 'factor humano'. E com a tal sensibilidade e sobriedade que são marca dos clássicos.

Hereafter, E.U.A., 2010. Realização: Clint Eastwood. Com: Matt Damon, Cécile de France, Frankie McLaren, George McLaren, Jay Mohr, Bryce Dallas Howard, Marthe Keller e Thierry Neuv

Globos de Ouro

2011-01-24T14:52:00.005Z

(ou como um génio pode tornar brilhante uma entrega de prémios sem interesse nenhum)

Vais Conhecer o Homem dos Teus Sonhos

2011-01-20T11:04:00.001Z

Afinal sempre estreou. Ainda bem.

Encontro

2011-01-19T14:01:00.004Z

Estava eu a pensar em como abordar o inenarrável argumento de 'Rendez-Vous' (co-escrito por André Téchiné e Olivier Assayas), quando reparei que o Capitão Napalm já o fez com bastante eloquência: há toda uma narrativa de amour-fou empilhado de clichés até à estratosfera, desde o poetinha inconstante e "torturado" (Lambert Wilson- o único sujeito que, para meu conhecimento, trabalhou sob as ordens de Resnais e dos coisos Wachowski) até a episódios regulares de histerismo muito "perturbador", sem esquecer os planos da floresta negra à meia-noite repleta de ursos pretos * da Juliette.

Concordando com cada uma destas palavras, há que acrescentar que miraculosamente o filme sobrevive a isto e ao canastrão Lambert Wilson (que melhorou bastante com a idade: está muito bem em 'Corações'), não tendo eu tido vontade de fugir a sete pés ao fim de 10 minutos, como no caso do horrendo 'Anticristo', oportunamente citado pelo Capitão. Pelo contrário, mantive-me religiosamente colado ao ecrã.

E a razão é só uma: uma incrivelmente novinha (21 primaveras) Juliette Binoche, a mostrar logo ali porque se iria tornar uma das mais luminosas actrizes do actual panorama cinematográfico (também eu tenho direito aos meus clichés). É assim o cinema. Um rosto pode salvar um filme.

Rendez-Vous, França, 1985. Realização: André Téchiné. Com: Juliette Binoche, Lambert Wilson, Wadeck Stanczak, Jean-Louis Trintignant, Dominique Lavanant, Anne Wiasemsky, Jean-Louis Vitrac.

Dia e Noite

2011-01-18T11:37:00.000Z

Eu sei que no actual mundo facebookiano e supersónico, falar de um filme que estreou há já meio ano é um crime. Mas eu sou um bocado bota de elástico e ainda ando a pôr em dia as estreias do ano passado (mais vale tarde do que nunca, etc. ).

E agora, com a devida licença dos leitores mais culturetas, vou passar a dizer bem deste ‘Knigth and Day’: é totalmente inverosímil e compraz-se com isso; é muito divertido, pilhando e parodiando tudo quanto é filme de acção/espionagem e, já agora, comédia romântica; tem duas grandes prestações, de Mr.Cruise e Mrs.Diaz (dois actores que habitualmente estão longe de ser dos meus favoritos); e, last but not the least, tem um realizador que, pese embora a sua irregularidade, tem uma competência acima da média.

Tem a fita zero de originalidade? É verdade. Mas sabe baralhar e tornar a dar com muita classe e ironia. É - perdoem-me o termo técnico - o melhor filme de Domingo à tarde do ano que passou.

Knight and Day, E.U.A., 2010. Realização: James Mangold. Com: Tom Cruise, Cameron Diaz, Peter Sarsgaard, Jordi Mollà, Viola Davis, Paul Dano.

Ao encontro de Romain Gary

2011-01-17T16:56:00.005Z

É na segunda-feira, dia 24 de Janeiro, às 18h30, que no Institut Français de Portugal, em Lisboa, se vai falar de Romain Gary e de Émile Ajar por causa do livro que recebeu o Prémio Goncourt em 1975, “Uma vida à sua frente”.

Este romance é publicado, esta semana, pela primeira vez em Portugal. João Rodrigues, o editor da Sextante, e Joana Cabral, a tradutora do livro, estarão lá para nos contar a vida mirabolante (*) do escritor francês Roman Gary. A seguir, será exibido o filme “Madame Rosa”, a adaptação deste livro ao cinema.

(*) Vida essa que se cruzou com outra vida mirabolante: a de Jean Seberg.

Falar do programador João Bénard da Costa

2011-01-16T21:36:00.000Z

O que é que o João nos deixou escrito? Deixou-nos filmes escritos. Chamem-lhes se quiserem filmes-textos ou textos-filmes.

O turista

2011-01-13T11:28:00.000Z

Depois de Anton Corbjin, em 'O Americano', ter desperdiçado o combinado vilazinha italiana+Violante Placido+George Clooney, Florian Henckel von Donnersmarck eleva o nível e esbanja completamente o triunvirato Veneza+Angelina Jolie+Johnny Depp. É obra! Mas é a triste realidade. 'O turista' é uma coisa sem jeito nenhum: sem classe, sem ritmo, sem suspense, sem pinta, em que Veneza é filmada como se fosse outra cidade qualquer e em que as duas pessoas mais fotogénicas do planeta são transformadas em bonecos de plasticina. Porra.

The Tourist, E.U.A./França, 2010. Realização: Florian Henckel von Donnersmarck. Com: Johnny Depp, Angelina Jolie, Paul Bettany, Timothy Dalton, Steven Berkoff.